Fragmento de fresco romano con paisaje nilótico

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Frescos romanos expuestos en Toulouse (Francia)

El fin de semana pasado viajé a Toulouse para visitar la fabulosa exposición de frescos romanos que se celebra en el Musée Saint-Raymond. La exposición, titulada & # 8216L & # 8217Empire de la couleur & # 8211 De Pompéi au sud des Gaules & # 8217 (& # 8216Empire of color & # 8211 From Pompeii to Southern Gaul & # 8217), se inauguró el pasado mes de noviembre y se extenderá hasta marzo de 2015.

La mayoría de los frescos romanos se encontraron en Campania, en la región alrededor de la bahía de Nápoles. Es allí donde el Monte Vesubio entró en erupción en el 79 d.C., enterrando gran parte de las ciudades de Pompeya y Herculano y las villas cercanas. La ceniza, lapilli, y el barro que se filtraba en las casas actuaba como conservante para las pinturas murales, pero también para muchos hogares y objetos decorativos, así como materiales orgánicos. La mayoría de las pinturas proceden de las casas de Pompeya y de la zona circundante entre el siglo xviii y principios del xx. Representan una visión excepcional del desarrollo de la pintura romana desde la última época de la República hasta el Imperio.

Esta gran exposición, por primera vez en Francia, presenta 79 obras de arte, incluidos fragmentos de paredes pintadas de Italia y el sur de la Galia, algunas de las cuales fueron excepcionalmente levantadas o restauradas para la ocasión. Gracias a préstamos excepcionales del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, el Museo del Louvre y el museo de Saint-Romain-en-Gal (Ródano), entre otros, la exposición tiene como objetivo mostrar la evolución de la pintura romana en el sur de la Galia poniéndoles cara enfrentarse a los italianos & # 8220modelos & # 8221, particularmente desde la perspectiva de asimilación e interpretación de los cuatro estilos pompeyanos.

Los elaborados frescos de las paredes brindaron a los ciudadanos romanos de élite la oportunidad de realizar exhibiciones conspicuas de riqueza y estatus social. Las pinturas romanas se hicieron a menudo en el fresco técnica descrita por Vitruvio (De Architectura) y Plinio el Viejo (Naturalis Historia). Primero, se aplicó una capa de revestimiento rugoso sobre el soporte, un mortero compuesto por cal hidratada y arena gruesa. Se añadió una segunda capa consistente en cal hidratada y arena fina bien filtrada y finalmente se aplicó una tercera capa a base de pigmentos y agua pura en varias capas con una brocha para dar un acabado más suave. Los colores se agregaron cuando la superficie aún estaba húmeda.

La exposición se abre con el trabajo de dos restauradores, Aude Aussilloux y Maud Mulliez, que trabajaron durante siete meses para recrear una decoración mural al fresco utilizando las mismas técnicas que se habrían utilizado en la antigüedad. Fabricaron sus propios pinceles y herramientas y utilizaron pigmentos no sintéticos.

Puedes ver un video de los restauradores trabajando aquí. ¡Es realmente impresionante!

Los dos paneles son dos secciones de una pared que decora el peristilo (peristilo, patio interior rodeado de columnas) de un romano domus en Vienna. Las imágenes de abajo muestran los fragmentos originales del fresco, expuestos en el Musée gallo-romain de Saint-Romain-en-Gal (Rh ô ne, Francia).

Los cuatro estilos & # 8220Pompeyanos & # 8221 de decoración de paredes pintadas que aparecen en toda Italia y el mundo romano fueron identificados por August Mau, un destacado historiador de arte y arqueólogo alemán, a finales del siglo XIX. Esta división se basó en diferencias fundamentales en la forma en que el artista trataba la pared y pintaba el espacio. Los dos primeros estilos comenzaron en el período republicano y fueron consecuencia de las pinturas murales griegas, mientras que los estilos tercero y cuarto se encuentran en la época imperial. Esta pieza presenta una selección de varias pinturas de la exposición para cada uno de los estilos pompeyanos.


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Fragmento de fresco de tierra negra con paisaje en Tondo

Desconocido 40,3 × 56,5 × 4,4 cm (15 7/8 x 22 1/4 x 1 3/4 pulg.) 72.AG.84

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Actualmente a la vista en: Getty Villa, Gallery 211, The Roman Villa

Detalles del objeto

Título:

Fragmento de fresco de tierra negra con paisaje en Tondo

Artista / Creador:
Cultura:
Lugar:
Medio:
Número de objeto:
Dimensiones:

40,3 × 56,5 × 4,4 cm (15 7/8 × 22 1/4 × 1 3/4 pulg.)

Título alternativo:

Frescos con escenas junto al mar (título para mostrar)

Departamento:
Clasificación:
Tipo de objeto:
Descripción del objeto

Uno de un par de paneles al fresco romanos (véase también 72.AG.83) que representan escenas junto al mar. Los dos paneles eran originalmente parte de la misma pared. Cada uno contiene un tondo pintado de manera impresionista, predominantemente en tonos de azul y verde. Este panel muestra un complejo de edificios junto al mar frente a un paisaje boscoso. Los escalones de una columnata conducen a un área abierta con figuras. Un pescador se sienta en un muelle sostenido por arcos.

Este fragmento de fresco era parte de un esquema más amplio de decoración pintada para una pared en una casa rica. El estilo de pintura, categorizado por los eruditos como Cuarto Estilo, es el último estilo de la pintura mural romana y combina las vistas espaciales del Segundo Estilo con la fantástica arquitectura del Tercer Estilo. Fue popular desde aproximadamente el 63 a. C. hasta el 79 d.C., cuando Pompeya y Herculano fueron destruidas. Las casas excavadas en esos sitios muestran que un panel como este habría sido un elemento menor de la decoración del muro, subsidiario de un gran panel con un motivo mitológico o arquitectónico.

Procedencia
Procedencia

Elie Borowski, polaco, 1913-2003 (Basilea, Suiza), vendido al Museo J. Paul Getty, 1972.

Bibliografía
Bibliografía

Vermeule, Cornelius y Norman Neuerberg. Catálogo de arte antiguo en el Museo J. Paul Getty (Malibú: Museo J. Paul Getty, 1973), pág. 50, no. 106, enfermo.

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Paisaje nilótico

Paisaje nilótico es cualquier representación artística de paisajes que emula o se inspira en el río Nilo en Egipto. El término fue acuñado para referirse principalmente a esos paisajes creados fuera de Egipto, especialmente en el Egeo, aunque ocasionalmente se usa para referirse a escenas de caza y pesca en el arte egipcio. Un paisaje nilótico es una escena fluvial con una rica y abundante vida vegetal y animal, gran parte de la cual es nativa de Egipto. Los elementos iconográficos comunes incluyen papiros, palmeras, peces y aves acuáticas y, en algunos casos, felinos, monos y / o cocodrilos.

La evidencia arqueológica da fe de representaciones pintadas del Nilo en tumbas egipcias ya en el período predinástico. Las escenas nilóticas siguen siendo populares en los Reinos Antiguo y Medio, y prosperan en el Nuevo & # 8197Reino. De particular importancia son los paisajes en las pinturas de las tumbas de la dinastía XVIII y # 8197 de Egipto. Los paisajes nilóticos se adaptan por primera vez fuera de Egipto en el Egeo, sobre todo en el arte de la civilización minoica. El tema disfruta de un renacimiento en el arte helenístico y romano, cuando las escenas nilóticas se convierten en un tema común para los mosaicos, el más famoso es el Nilo del siglo I a.C. & # 8197mosaico & # 8197 de & # 8197Palestrina. Estos enfatizaron el exotismo del Nilo, así como su actividad como vía fluvial. Las escenas de tráfico acuático se representan junto a una fauna abundante y, a menudo, peligrosa.

Varios temas bíblicos en el arte, como Finding & # 8197of & # 8197Moses, están ambientados en Egipto, y los artistas cristianos desarrollaron lentamente convenciones modestas para transmitir el paisaje desconocido. El proceso se aceleró después del Renacimiento, con Nicolas & # 8197Poussin, quien pintó muchos temas sobre la vida de Moisés, un pionero particular en el desarrollo de una decoración más auténtica. Pero el proceso fue lento hasta principios del siglo XIX, con un aumento de los viajes occidentales, el advenimiento de la egiptología moderna y en el arte el desarrollo del orientalismo. A fines del siglo XIX, la decoración exótica y cuidadosamente estudiada o investigada a menudo dominaba las representaciones de paisajes y figuras humanas, ya fueran antiguas o modernas. [1]

La producción de paisajes nilóticos, así como su iconografía e interpretaciones, dependen de la procedencia de la obra y la cultura en la que se produjo, pero la mayoría de las escenas en general afirman y celebran la abundancia de la naturaleza.


Polifemo y Galatea

La pintura de estilo IV Pompeyo puede datarse de la segunda mitad del siglo I d.C. (45-89 d.C.) según un análisis estilístico y de contexto. Fue encontrado en la sala 15 de la Casa de la Antigua Caza en Pompeya en 1834.

El pequeño cuadro representa un beso sexual entre el cíclope Polifemo y la ninfa Galatea sobre un fondo neutro. La tez oscura de Polifemo, cuya identidad se revela por la presencia, a la izquierda, de un carnero, una siringe (un instrumento de viento similar a una flauta) y un cayado de pastor, contrasta con la tez rosada de la ninfa vista al revés y representada como una doncella de figura sinuosa.

Las figuras están retratadas con pinceladas rápidas y ligeras, casi diseñadas para expresar la sensibilidad del tema.
El sujeto tiene la peculiaridad de identificar una veta bastante inusual del mito: en la versión más famosa, de hecho, Galatea nunca aceptó el cortejo de Polifemo, por su amor al pastor Acis.


Por Hérica Valladares y Marden Nichols

En las últimas dos décadas, el arte y la arquitectura domésticos romanos se han convertido en un animado campo de investigación académica. Para los antiguos romanos, la casa no era simplemente un espacio privado para interactuar con familiares y amigos cercanos, sino un nexo para una amplia gama de rituales y actividades sociales. Como tal, el tema de la casa romana premia los enfoques interdisciplinarios basados ​​en métodos de los clásicos, la arqueología, la historia del arte y los estudios de museos.

Durante el año académico 2012-2013, impartimos en equipo una serie de dos seminarios de posgrado sobre el espacio doméstico de la antigua Roma. Nuestros seis estudiantes se inscribieron tanto en “La casa romana: imagen, texto, arqueología” (otoño de 2012) como en “Curando la casa romana” (primavera de 2013). El objetivo del primer curso fue investigar el desarrollo de las viviendas romanas como estructuras físicas y como símbolos potentes dentro de la literatura y la cultura romanas desde la república media hasta el alto imperio. El segundo curso, una práctica de museo, ofreció una oportunidad para desarrollar habilidades curatoriales, incluyendo conocimiento, investigación basada en objetos, diseño espacial y escritura para audiencias públicas. Este año de estudio centrado culminó con la exposición del Museo Arqueológico de la Universidad Johns Hopkins "La casa romana en Hopkins", que se exhibió desde el 14 de abril de 2013.

En el seminario "Curando la casa romana", los estudiantes analizaron artefactos domésticos de las colecciones del Museo Arqueológico de la Universidad Johns Hopkins. En su mayoría inéditos y sin procedencia, estos objetos presentaban desafíos en su interpretación. Trabajando juntos, nuestros estudiantes diseñaron instalaciones temáticas en cajones de exhibición dentro del Museo Arqueológico. Cada uno trabajó en una categoría separada de objetos: lámparas de cerámica, vasijas de vidrio, artículos de Arretine, estatuillas de bronce, textiles y lo que el antiguo autor romano Vitruvio llamó “expoliciones, "Es decir, los toques finales de una casa (mosaicos y pinturas murales).

Varios colegas de JHU y otras instituciones ofrecieron orientación y asistencia muy apreciadas para llevar este proyecto a buen término. Agradecemos sinceramente a Betsy Bryan (JHU), Sanchita Balachandran (JHU), Natasha Jones (JHU), Lisa Anderson (JHU), James T. VanRensselaer y Will Kirk (Homewood Photography).

Para las presentaciones de los Dres. Valladares y Nichols sobre el trabajo de este curso, haga clic aquí.


Fresco romano antiguo con paisaje de Pompeya, siglo I

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Fragmento de Fresco Romano con Paisaje Nilótico - Historia

Una pintura al fresco de un maestro del Renacimiento que una vez decoró el dormitorio del Papa Alejandro VI en el Vaticano se ha exhibido en Roma.

Un destacado historiador y curador del arte italiano dice que tiene pruebas documentales de que una vez fue parte de una pintura mucho más grande que representa al anciano Papa arrodillado frente a su joven amante, Giulia Farnese.

Este es un ejemplo inusual de "damnatio memoriae", una frase en latín que significa "condenación de la memoria".

Se refiere a una costumbre que se remonta a la antigüedad: el intento de eliminar a una persona famosa del registro histórico por motivos de deshonra.

Los emperadores romanos solían ordenar la destrucción o remoción de retratos o estatuas de miembros deshonrados de su familia.

El Papa Alejandro VI, el notorio Papa Borgia de España, desacreditó a la Iglesia por su estilo de vida libertino.

Fue padre de siete hijos, incluidos Lucrezia y Cesare Borgia, de al menos dos amantes.

Tal fue la impopularidad de Alejandro VI que cuando murió, tal vez por envenenamiento, tal vez por la peste, en 1503 a la edad de 72 años, los sacerdotes de la Basílica de San Pedro al principio se negaron a aceptar su cuerpo para el entierro.

El retrato del Papa Alejandro, encargado a Pinturicchio para decorar la alcoba papal dentro del Palacio Apostólico en el Vaticano, fue luego cortado de la pared, probablemente durante el siglo XVII, y se creía perdido hasta hace muy poco.

La pintura mostraba a Alejandro arrodillado frente al Niño Jesús y la Virgen María, cuyo rostro, según evidencia documental de varias fuentes contemporáneas, era el de una de sus amantes, una joven noble romana llamada Giulia Farnese.

El pequeño segmento de esta pintura al fresco original mucho más grande que ahora se exhibe es un retrato exquisito del niño Jesús. El niño tiene un halo de oro puro pintado alrededor de su cabeza.

Esta pintura extraordinariamente fina entró en el mercado internacional del arte hace tres años y fue comprada por un industrial italiano de Perugia.

Se muestran cinco manos en la pintura. El profesor Franco Nuccirelli de Perugia, comisario de la exposición, que redescubrió el cuadro, me dijo que cree que dos de las manos pertenecen a la figura desaparecida de la Virgen María, que sujeta suavemente al niño por la cintura.

El niño tiene una mano levantada en señal de bendición y sostiene un orbe dorado coronado por una cruz en la otra.

La quinta mano, según el profesor Nuccirelli, es la de la figura perdida del propio Papa Alejandro. Su mano acaricia suavemente el pie derecho del niño.

Sabemos exactamente cómo era la imagen del dormitorio del Papa. Fue copiado por un artista del siglo XVII llamado Pietro Facchetti mientras aún estaba in situ.

Esta copia está ahora en posesión de otra familia noble romana. La prueba del profesor Nucciarelli de que este fragmento pertenece a la obra maestra perdida de Pinturicchio parece muy convincente.

El famoso historiador de arte y erudito Giorgio Vasari, escribiendo en la segunda edición de sus Vidas de los artistas en 1568, mencionó que la pintura de Pinturicchio estaba "sobre la puerta de una habitación en el Palacio Apostólico".

Era, dijo Vasari, "un retrato de la Signora Giulia Farnese con el rostro de Nuestra Señora, y en el mismo cuadro la cabeza del Papa Alejandro adorándola".

Es frustrante que sólo quede un retrato de Giulia Farnese, cuyo hermano Alessandro Farnese se convirtió más tarde en el Papa Pablo III.

El retrato se encuentra en el Museo del Castel Sant'Angelo de Roma, donde se atribuye al pintor romano Luca Longhi.

Muestra a una mujer joven sentada con nostalgia en un paisaje montañoso junto a un unicornio: la legendaria bestia es uno de los emblemas heráldicos de la familia Farnese.

Le pregunté al profesor Nucciarelli cuál había sido la reacción del Vaticano a sus descubrimientos.

"Naturalmente, no están muy contentos con la publicidad de este tipo", dijo.

"Pero hemos estado en el dormitorio de Alejandro, que es una de las habitaciones claramente identificables en el apartamento Borgia del Palacio Apostólico.

"Hay exactamente el espacio correcto encima de la puerta donde habría encajado la pintura. Pero hasta ahora no hemos recibido permiso para examinar el estado actual de la pared que está oculta por un tapiz".

La primera y más conocida amante del Papa Alejandro VI se llamaba Vanozza dei Cattanei.

Fue la madre de Lucrezia y Cesare Borgia y existen varios retratos de ella.

Puedes ver su tumba y un busto de retrato en una capilla lateral bastante oscura dentro de la iglesia de Santa Maria del Popolo en Roma.

Después de visitar la exposición volví a ver su retrato que no había mirado durante algunos años. Decididamente matrona, pensé.

Vanozza tenía tres maridos además de su relación con el Papa Alejandro, con quien tuvo cuatro hijos en total.

Lo bueno de vivir en Roma es que la mayoría de los eventos aquí están históricamente bien documentados. Puede entrar a cualquier iglesia para comprobar los hechos.

En Roma, de hecho, tocas la historia todos los días simplemente caminando por la calle.


Mural de una escena nilótica que muestra a pigmeos en un banquete, luchando contra un hipopótamo y actos del mismo sexo. Romano. Siglo I d.C. encontrado en la Casa del Médico en Pompeya. Museo Arqueológico Nacional de Nápoles [4926x1242] [OC]

La descripción del museo no parece identificar el género de la figura agachada, pero afirma que las figuras con túnicas más largas son mujeres.

Oye, ¿esa escena no parece una despedida de soltero o algo así? Han tendido una lona a través de dos árboles, creando sombra. Y los espectadores se disponen en semicírculo, como si estuvieran viendo algo.

Por supuesto, están viendo a dos personas golpear. Pero es casi como si se estuviera realizando algún tipo de ritual. La figura en posición invertida de vaquero / niña lleva una especie de corona (¿flor?) Sobre la cabeza. Hay alguien a su izquierda con una capa tocando el Aulos.

EDITAR: ¿Los romanos vieron programas de sexo en vivo? ¿Por qué las libaciones, la vestimenta ceremonial y la lona?


Pinturas romanas paganas

Prácticamente el único ejemplo de pintura en Roma y Lacio que ha sobrevivido antes del siglo I a.C. es un fragmento de una pintura de una tumba histórica con escenas de las Guerras Samnitas, encontrada en una tumba familiar en el Esquilino y que probablemente data del siglo III a.C. (Palazzo dei Conservatori, Museos Capitolinos, Roma). Además de Metrodorus y Demetrius, los escritores antiguos mencionan los nombres de tres pintores, cada uno de los cuales trabajó en un templo: Fabius Pictor, en el Templo de Salus en Roma a finales del siglo IV Pacuvius, dramaturgo y nativo de Brundisium, en el Templo de Hércules en el Foro Boario de Roma durante la primera mitad del siglo II y Lycon, un griego asiático, en el Templo de Juno en Ardea a finales del siglo III o principios del II. No se sabe nada sobre el trabajo de estos artistas.

En Pompeya, durante el siglo II a. C., las paredes interiores de las casas particulares estaban decoradas con un estilo llamado Incrustación, o Primero, es decir, la imitación en estuco pintado de chapas, o crustáceos ("Losas"), de mármoles de colores. Pero en la segunda mitad del siglo I a.C., apareció repentinamente en Roma y en las ciudades de Campania (la más famosa de las cuales probablemente sea Pompeya) una brillante serie de pinturas murales domésticas del llamado Segundo estilo, cuyo objetivo era negar las paredes como superficies sólidas que confinaban el espacio de la habitación. A veces, esto se hacía cubriendo toda el área de las paredes con paisajes elaborados, en los que la profundidad, la atmósfera y la luz se expresan de una manera muy pictórica e ilusionista. Tales son los Odisea pinturas encontradas en una casa romana en el Esquilino (ahora en la Biblioteca Apostolica Vaticana, Ciudad del Vaticano), que consisten en un flujo continuo de episodios que se desarrollan, como una película, más allá de una columnata de pilastras, con perspectiva vertical a vista de pájaro y figuras humanas estrictamente subordinadas a su entorno. Otras pinturas murales, como las de una habitación de la Villa de Livia en Prima Porta (transferida al Museo Nazionale Romano), representan un gran parque o jardín lleno de árboles, arbustos, flores y pájaros, sin pilastras en primer plano que interrumpan. la perspectiva y ninguna figura humana que distraiga la atención.

Ya se ha mencionado la posibilidad de modelos helenísticos para este tipo de pintura, aunque los precursores helenísticos supervivientes no fueron una preparación para los importantes desarrollos romanos. La mayoría de los ejemplos del tipo, que sobrevivieron hasta el cuarto estilo, se han encontrado en las paredes traseras de las columnatas que rodean jardines reales. Las frescas escenas pintadas habrían dado la ilusión de que un holgazán en esta parte de la casa estaba rodeado de arbustos o arboledas. Otro tipo de paisaje combinaba características sagradas e idílicas y a menudo se colocaba como detrás de elaborados edificios escénicos. Estas monótonas composiciones sostenían columnas sagradas o santuarios rústicos y estaban estrechamente relacionadas con otras escenas ilusionistas pobladas de figuritas cuyas travesuras, dejan en claro las fuentes escritas, eran fuente de diversión sin fin para el amo de casa y sus invitados.

Un célebre friso de figuras de tamaño natural, que representan los ritos de iniciación dionisíacos y las pruebas prenupciales de una novia, en el llamado triclinio de la Villa de los Misterios (o Villa Item) fuera de la puerta de Herculano de Pompeya, también pertenece al Segundo estilo. Allí los muros son desmentidos por el recurso de sustituirlos por un estrecho escenario sobre el que las figuras realizan el ritual ante una escena de caída de paneles continuos pintados. Pero las pinturas de segundo estilo más comunes se conocen como arquitectónicas y muestran una división horizontal triple de la pared en zócalo, área central y cornisa, combinada con un esquema de diseño vertical triple que consiste en un gran panel central (en el principal, área horizontal intermedia), enmarcada por columnas flanqueantes y un frontón, y dos paneles más pequeños a cada lado. El panel central y, a menudo, los laterales también son vistas vistas a través de ventanas que atraviesan las paredes y unen al espectador con el mundo exterior, como en la casa de Augusto en el Palatino de Roma.

En el tercer estilo, que cubre la mayor parte del período de Augusto, el cuadro del panel central en una pared ya no se concibe como una escena a través de una ventana, sino como un cuadro real colgado o insertado en una pantalla o tejido en un tapiz, que oculta parcialmente una vista arquitectónica detrás de él. Las columnas, entablamentos, etc., son completamente irreales y tan complicados que este tercer estilo a veces recibe el nombre de ornamentado.

El cuarto estilo, que se extiende desde el final de la Edad de Augusto hasta la destrucción de Pompeya y sus ciudades compañeras de Campania en el 79 a. C., es menos homogéneo que sus predecesores y exhibe tres variantes principales: primero, un diseño arquitectónico más sobrio y realista, pero aún así. con una pantalla central o tapiz que cubre en parte una vista en retirada en segundo lugar, un diseño arquitectónico que imita un scaena ("Escenario de fondo") y tercero, un método (a veces conocido como "intrincado") mediante el cual toda la superficie de la pared se cubre con un suelo plano, blanco y neutro pintado con un patrón en forma de celosía de elementos arquitectónicos fantásticos, arabescos , grotescos, motivos de figuras pequeñas o pequeños paneles que contienen imágenes. Este tercer tipo de pintura del cuarto estilo se puso de moda en Pompeya entre un terremoto del 63 d.C. y la catastrófica erupción volcánica del 79, y uno de sus exponentes más impresionantes es la Casa Dorada de Nerón en Roma.

Los temas de los cuadros de panel de los estilos segundo, tercero y cuarto son en su mayor parte extraídos de la mitología griega. Algunos de ellos recuerdan descripciones literarias de famosas pinturas clásicas griegas y helenísticas o muestran motivos que sugieren que sus originales fueron pintados en la Grecia continental o en Asia Menor. Es cierto que muchas obras maestras de la pintura griega llegaron a Roma como botín de los generales romanos de la época republicana, y los pintores murales podrían haberlas estudiado de primera mano. Pero a menudo esos artistas deben haber tenido que confiar solo en bocetos de las famosas imágenes, y no se sabe con qué fidelidad los murales romanos y campanianos reproducen los prototipos. Otras pinturas de panel presentan escenas de rituales religiosos contemporáneos y algunas muestran temas de leyendas romanas. Con frecuencia, en el caso de los temas mitológicos griegos y los tomados de cultos religiosos rústicos, el artista produce paisajes con figuras, como en el Odisea frescos, no figuras con paisaje, como en la Columna de Trajano. Estas piezas de la época republicana tardía y del imperio temprano están ejecutadas de manera competente, notablemente vívidas y extremadamente naturalistas. Pero, con algunas excepciones, revelan que los principios de un solo punto de fuga y la iluminación unificada de una sola fuente de iluminación no fueron entendidos por los pintores romanos o no les interesaron.

El fondo plano y uniforme de la última fase del cuarto estilo siguió siendo una característica constante de la pintura mural en casas, tumbas, templos y otros santuarios religiosos a lo largo de los siglos II, III y IV. La decoración, que se destaca contra ese suelo, toma cualquiera de varias formas: (1) patrones en forma de celosía, en toda la superficie, como en muchas tumbas paganas (2) pequeños grupos de figuras o paneles de figuras esparcidos a intervalos a lo largo del campo, como en el Catacumbas cristianas de Roma (3) una mezcla de grandes figuras humanas y escenas extensas con figuras de pequeña escala, como en el hipogeo de los Aurelii de principios del siglo III en el Viale Manzoni en Roma, cuyo interesante contenido pintado es gnóstico o criptográfico. -Escenas cristianas o (4) grandes con figuras relativamente grandes, como un grupo de deidades marinas en una casa romana del siglo II bajo la Iglesia de las SS. John and Paul on the Caelian, una caza de leopardos de finales del siglo II o principios del III en la pared sur del frigidarium de los baños de caza en Leptis Magna (en la costa de la actual Libia), o las escenas bíblicas de principios del siglo III de un baptisterio en Doura-Europus, un importante sitio arqueológico en el Éufrates en lo que hoy es Siria.

En el caso de las tumbas romanas, los techos con bóveda de crucería o de cañón, cuando se conservan, suelen realizar la decoración pintada de los muros, mostrando ya sea un patrón enrejado o una serie de pequeños cuadros de tabla figurados espaciados. En Trier (en lo que hoy es Alemania Occidental) se han encontrado restos de un techo artesonado plano con paneles de yeso pintado de un salón imperial de principios del siglo IV destruido para dar cabida a una basílica cristiana. Se conservan grandes porciones de ocho paneles pintados. Cuatro representan bustos femeninos, tres de ellos con nimbi, que pueden ser personificaciones o retratos de miembros de la familia imperial, los otros cuatro muestran parejas de cupidos bailando o deportivos. Como muestran el hábil modelado y el vivo naturalismo de estas figuras, la pintura tardorromana podría alcanzar altos estándares.

La pintura de retratos romana se encuentra muy por detrás de la escultura de retratos en cuanto a habilidad técnica y realismo. Uno de los primeros ejemplos existentes es un grupo de Terentius Neo y su esposa, de Pompeya (Museo Arqueológico Nacional, Nápoles). Ambas figuras recuerdan los retratos de momias en Egipto, pintadas en encáustica (una técnica mediante la cual los colores se mezclan con cera líquida y se fijan con calor) y varían en fecha desde el período Flavio hasta el siglo III. Un grupo de retratos circulares de figuras frontales pintadas sobre madera, probablemente en Egipto (ahora en la Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz, Berlín Occidental), parece haber representado originalmente a los emperadores Septimio Severo y Caracalla, Julia Domna (esposa de Septimio Severo) y Geta. (El hermano de Caracalla) pero Geta (eso parece) fue posteriormente lavado (quizás más consecuente con su asesinato por Caracalla). Particularmente atractivos son los retratos realizados en medallones de vidrio de oro, que en el exquisito refinamiento de su tratamiento pueden compararse con las miniaturas europeas del siglo XVI. Un medallón en el Museo de Antigüedades Cristianas de Brescia, que data del siglo III y que lleva un grupo de retratos, es una verdadera obra maestra.


Ver el vídeo: Frescos de Pompeya