Renacimiento - Descripción general - Goodbye-Art Academy

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Inicios del fauvismo

El fauvismo se inspiró en las enseñanzas de Gustave Moreau, artista simbolista y profesor en la & Eacutecole des Beaux-Arts de París. Enseñó a sus alumnos sobre los poderes expresivos del color. Uno de sus alumnos fue Matisse, quien más tarde sería pionero en el fauvismo junto con Derain y Vlaminck.

Matisse dijo una vez sobre las enseñanzas de Moreau.

"No nos puso en los caminos correctos, sino fuera de los caminos. Él perturbó nuestra complacencia".

Los fauvistas tuvieron su primera exposición en el Salon d & rsquoAutomne de París en 1905. Sus pinturas de colores brillantes y atrevidos contrastaban con la escultura renacentista que se exhibía al lado. El crítico de arte describió las obras fauvistas rodeadas por la escultura como "Donatello chez les fauves", que significa "Donatello entre bestias salvajes". Aunque fue un insulto, el término "Fauve" (bestia salvaje) fue adoptado como el nombre del nuevo movimiento, el fauvismo.

El movimiento fue de corta duración, sólo duró entre 1905 y 1910. Pero tuvo un impacto significativo en los movimientos artísticos que siguieron, en particular en relación con el uso de la abstracción y el color.


La palabra "Renacimiento" es un término francés que significa "renacimiento".
Se utiliza para describir un era de nuevos descubrimientos y exploración desde c.1400-1600.
Este período fue una época de gran convulsión política y social & # 8211 eventos como el reforma Protestante tuvo un gran impacto en la vida en el mundo occidental.
También hubo un aumento del pensamiento humanista, que desafió la supremacía de la iglesia.
También fue una época de gran desarrollo en la música y las artes. Se desarrollaron nuevos estilos y técnicas, mientras que también hubo un "renacimiento" del interés en cultura antigua como los artistas y compositores a menudo se basaron en inspiración de la antigua Grecia y Roma.

A menudo verá la música del período del Renacimiento dividida en "Sagrado" y "Secular".
Si bien esta división tiene sus limitaciones, es una forma bastante útil de obtener una visión general del período.

Musica sagrada

La música del Renacimiento temprano estuvo dominada por Misa latina debido a la supremacía de la iglesia católica.
Como resultado, la msica sacra era mayoritariamente masas polifónicas y motetes en latín para uso en la iglesia.
Contrapunto modal fue la técnica de composición dominante (probablemente debido a su estrecha relación con el canto llano litúrgico).

Escuche estos 2 ejemplos de música sacra del Renacimiento:

Lamentaciones I de Thomas Tallis
Credo de la misa de 4 partes de William Byrd

Aunque hubo un movimiento constante de alejamiento de la iglesia a medida que aumentaba el pensamiento humanista, las iglesias siguieron siendo lugares muy importantes para la formación de músicos y cantantes.
A medida que avanzaba el período y el reforma Protestante ritmo acelerado, la música se escribió para su uso en iglesias protestantes & # 8211 es decir, no en latín y no determinado por la estructura de la misa católica.

Música secular

La música secular en el Renacimiento temprano dependía mucho de la tribunales, que podría financiar y apoyar a los músicos.
Canciones seculares, como la canción, los madrigal y el Alemán mintió (pronunciado & # 8220Leed & # 8221) fueron muy populares.

Escucha este madrigal de Monteverdi:

Cruda Amarilli por Monteverdi

Escuche esta pieza de Josquin Des Prez llamada Mille Regretz.
Puedes ver en la letra lo emotivo que es el tema y cómo esta profundidad se ha capturado en la música:

Mille Regretz de Josquin Des Prez

Francés original:
Mille lamenta de vous abandonner
Et d'eslonger vostre facce amoureuse
Jay si grand dueil y paine douloureuse
Quon me verra breve mes jours definer

Traducción en inglés:
Mil remordimientos por haberte abandonado
y dejando atrás tu rostro amoroso,
Siento tanta tristeza y tanta angustia tan dolorosa,
eso me parece que mis días pronto se agotarán.

Compositores del Renacimiento

Los compositores del Renacimiento temprano vinieron en su mayoría del norte de Francia o de los Países Bajos debido al fuerte sistema judicial, que apoyaba a los músicos en estas regiones.
A finales del Renacimiento, Italia se convirtió en un centro musical cada vez más importante.
Éstos son algunos de los compositores renacentistas más conocidos:

Compositores del Renacimiento temprano:

Guillaume Du Fay (1397-1474) & # 8211 escribió música para la iglesia basada en el canto gregoriano existente.
John Taverner (1490-1545)
Thomas Tallis (1505-1585) & # 8211 compuso música durante los reinados de 4 monarcas !! (Enrique VIII, Eduardo VI, María I e Isabel I). Su obra maestra es Spem in Alium & # 8211 "Canta y glorifica", que tiene 40 partes independientes.

Compositores posteriores del Renacimiento:

Allegri (1582-1652) y Palestrina (1525-1594) & # 8211 ambos produjeron vastas obras corales.
William Byrd (1543-1623)
Monteverdi (1567-1643) & # 8211 sus obras operísticas se inspiraron en el mundo clásico, relacionando estrechamente la poesía y la música y utilizando la música para despertar emociones.

Instrumentos renacentistas

El Renacimiento fue una época de grandes inventos y esto tuvo un gran impacto en la música en forma de nuevos instrumentos.
Los principales instrumentos asociados a la música renacentista son:


El Renacimiento en Florencia

El Renacimiento realmente se pone en marcha en los primeros años del siglo XV en Florencia. En este período, que llamamos el Renacimiento temprano, Florencia no es una ciudad en el país unificado de Italia, como lo es ahora. En cambio, Italia se dividió en muchas ciudades-estado (Florencia, Milán, Venecia, etc.), cada una con su propia forma de gobierno.

Ahora, normalmente pensamos en una República como un gobierno donde todos votan por representantes que representarán sus intereses ante el gobierno (recuerde el juramento de lealtad: & # 8220 y a la república que representa & # 8230 & # 8221). Sin embargo, Florencia era una República en el sentido de que había una constitución que limitaba el poder de la nobleza (así como de los trabajadores) y aseguraba que ninguna persona o grupo pudiera tener un control político completo (por lo que estaba lejos de nuestro ideal de todos votando, de hecho, un porcentaje muy pequeño de la población tenía el voto). El poder político residía en manos de comerciantes de clase media, algunas familias ricas (como los Medici, importantes mecenas del arte que más tarde gobernarían Florencia) y los poderosos gremios.


Arte renacentista en Italia (hacia 1400-1600) Historia, características, causas, técnicas

Durante los doscientos años entre 1400 y 1600, Europa fue testigo de un asombroso renacimiento del dibujo, la pintura de bellas artes, la escultura y la arquitectura centrada en Italia, a la que ahora nos referimos como el Renacimiento (rinascimento). Se le dio este nombre (francés para 'renacimiento') como resultado de La Renaissance - un famoso volumen de historia escrito por el historiador Jules Michelet (1798-1874) en 1855 - y se entendió mejor después de la publicación en 1860 del libro histórico & quot La civilización del Renacimiento en Italia & quot (Die Kultur der Renaissance en Italia), de Jacob Burckhardt (1818-97), profesor de Historia del Arte en la Universidad de Basilea.


Mona Lisa (1503-6) de Leonardo.

HISTORICOS DEL ARTE
Para los principales académicos y críticos
de pintura renacentista, dibujo
y escultura, ver:
Bernard Berenson (1865-1959)
Kenneth Clark (1903-1983)
Leo Steinberg (1920-2011)

¿Cuáles fueron las características del Renacimiento?

En términos muy simples, el Renacimiento italiano restableció el arte occidental de acuerdo con los principios del arte griego clásico, especialmente la escultura y la pintura griegas, que proporcionaron gran parte de la base para el Grand Tour y que permaneció indiscutible hasta Pablo Picasso y el cubismo.

Desde principios del siglo XIV, en su búsqueda de un nuevo conjunto de valores artísticos y una respuesta al estilo gótico internacional cortesano, los artistas y pensadores italianos se inspiraron en las ideas y formas de la antigua Grecia y Roma. Esto estaba perfectamente en sintonía con su deseo de crear una forma de arte universal, incluso noble, que pudiera expresar el nuevo y más seguro estado de ánimo de la época.

Filosofía renacentista del humanismo

Sobre todo, el arte renacentista fue impulsado por la nueva noción de "humanismo", una filosofía que había sido la base de muchos de los logros (por ejemplo, la democracia) de la antigua Grecia pagana. El humanismo restó importancia a los dogmas religiosos y seculares y, en cambio, otorgó la mayor importancia a la dignidad y el valor del individuo.


Detalle que muestra al Hijo del Hombre de
El fresco del Juicio Final en el
muro de la Capilla Sixtina en Roma,
(1536-41) de Miguel Ángel. Uno de
las grandes obras de arte bíblico en
el Vaticano.


Detalle que muestra el rostro de Venus
desde el nacimiento de Venus (c.1486)
Por Botticelli. Uno de los grandes
ejemplos de pintura mitológica
del Renacimiento florentino.

ARTES RELIGIOSAS
A pesar de su humanismo, el italiano
Renacimiento produjo numerosos
obras maestras del arte religioso, en
la forma de los diseños arquitectónicos,
retablos, escultura y pintura.

Efecto del humanismo en el arte

En las artes visuales, el humanismo representaba (1) El surgimiento de la figura individual, en lugar de figuras estereotipadas o simbólicas. (2) Mayor realismo y la consiguiente atención al detalle, como se refleja en el desarrollo de la perspectiva lineal y el creciente realismo de los rostros y cuerpos humanos, este nuevo enfoque ayuda a explicar por qué la escultura clásica fue tan venerada y por qué el arte bizantino pasó de moda. (3) Un énfasis y una promoción de la acción virtuosa: un enfoque del que se hizo eco el destacado teórico del arte del Renacimiento Leon Battista Alberti (1404-72) cuando declaró: "La felicidad no se puede ganar sin buenas obras y actos justos y rectos".

La promoción de la acción virtuosa reflejó la idea cada vez mayor de que el hombre, no el destino o Dios, controlaba el destino humano, y fue una de las razones clave por las que la pintura histórica (es decir, cuadros con 'mensajes' edificantes) se convirtió en la forma más elevada de pintura. Por supuesto, la exploración de la virtud en las artes visuales también implicó un examen del vicio y la maldad humana.

PIGMENTOS DE PINTURA, COLORES, COLORES
Para detalles de los pigmentos de color
utilizado por los pintores del Renacimiento
ver: Paleta de colores renacentista.

Causas del Renacimiento

Aún no está claro qué provocó este renacimiento de las artes visuales. Aunque Europa había emergido de la Edad Media bajo Carlomagno (c.800), y había visto el resurgimiento de la Iglesia cristiana con su programa de construcción de estilo gótico de los siglos XII / XIII, el siglo XIV en Europa fue testigo de varias cosechas catastróficas, la Peste Negra. (1346) y una guerra continua entre Inglaterra y Francia. Condiciones apenas ideales para un estallido de creatividad, y mucho menos un sostenido rinascita de pinturas, dibujos, esculturas y nuevas construcciones. Además, la Iglesia, el mayor mecenas de las artes, estaba atormentada por desacuerdos sobre cuestiones espirituales y seculares.

Sin embargo, también se evidenciaron corrientes más positivas. En Italia, Venecia y Génova se habían enriquecido con el comercio con Oriente, mientras que Florencia era un centro de arte de la lana, la seda y la joyería, y albergaba la fabulosa riqueza de la culta y consciente familia Medici.

La prosperidad también estaba llegando al norte de Europa, como lo demuestra el establecimiento en Alemania de la Liga Hanseática de ciudades. Esta creciente riqueza proporcionó el apoyo financiero para un número creciente de encargos de grandes proyectos de arte públicos y privados, mientras que las rutas comerciales en las que se basó ayudaron en gran medida a la difusión de ideas y, por lo tanto, contribuyeron al crecimiento del movimiento en todo el continente.

Junto a esta difusión de ideas, que por cierto se aceleró significativamente con la invención de la imprenta, existía una indudable sensación de impaciencia ante el lento avance del cambio. Después de mil años de hambruna cultural e intelectual, Europa (y especialmente Italia) estaba ansiosa por renacer.

Debilidad de la Iglesia

Paradójicamente, la posición débil de la Iglesia dio un impulso adicional al Renacimiento. Primero, permitió la expansión del humanismo, que en épocas pasadas habría sido fuertemente resistido en segundo lugar, llevó a papas posteriores como el Papa Julio II (1503-13) a gastar extravagantemente en arquitectura, escultura y pintura en Roma y en el Vaticano (p. Ej. ver los Museos Vaticanos, en particular los frescos de la Capilla Sixtina), para recuperar su influencia perdida. Su respuesta a la Reforma (c. 1520), conocida como la Contrarreforma, un tipo de arte cristiano particularmente doctrinal, continuó este proceso hasta finales del siglo XVI.

Una era de exploración

La era del Renacimiento en la historia del arte es paralela al inicio de la gran era occidental de los descubrimientos, durante la cual apareció un deseo general de explorar todos los aspectos de la naturaleza y el mundo. Los exploradores navales europeos descubrieron nuevas rutas marítimas, nuevos continentes y establecieron nuevas colonias. Del mismo modo, los arquitectos, escultores y pintores europeos demostraron su propio deseo de nuevos métodos y conocimientos. Según el pintor, arquitecto y comentarista renacentista italiano Giorgio Vasari (1511-74), no fue solo el creciente respeto por el arte de la antigüedad clásica lo que impulsó el Renacimiento, sino también un creciente deseo de estudiar e imitar la naturaleza.

¿Por qué comenzó el Renacimiento en Italia?

Además de su estatus como la nación comercial más rica tanto con Europa como con Oriente, Italia fue bendecida con un enorme depósito de ruinas y artefactos clásicos. Se encontraron ejemplos de arquitectura romana en casi todos los pueblos y ciudades, y la escultura romana, incluidas copias de esculturas perdidas de la antigua Grecia, había sido familiar durante siglos. Además, el declive de Constantinopla, la capital del Imperio Bizantino, hizo que muchos eruditos griegos emigraran a Italia, trayendo consigo importantes textos y conocimientos de la civilización griega clásica. Todos estos factores ayudan a explicar por qué el Renacimiento comenzó en Italia. Para obtener más información, consulte Renacimiento florentino (1400-90).

Para obtener detalles sobre cómo se desarrolló el movimiento en diferentes ciudades italianas, consulte:

& # 149 Escuela de Pintura de Siena (por ejemplo, hermanos Lorenzetti, Sassetta)
& # 149 Renacimiento en Florencia (por ejemplo, Giotto, Masaccio, Brunelleschi, Leonardo)
& # 149 Renacimiento en Roma bajo los Papas (por ejemplo, Rafael y Miguel Ángel)
& # 149 Renacimiento en Venecia (por ejemplo, Mantegna, familia Bellini, Tiziano, Tintoretto).

Si el marco del Renacimiento lo establecieron factores económicos, sociales y políticos, fue el talento de los artistas italianos lo que lo impulsó. Los pintores, escultores, arquitectos y diseñadores más importantes del Renacimiento italiano durante los siglos XIV, XV y XVI incluyen, en orden cronológico:

Cimabue (c. 1240-1302)
Destacado por sus frescos en Asís.
Giotto di Bondone (1267-1337)
Frescos de la capilla Scrovegni Arena.
Gentile da Fabriano (1370-1427)
Pintor influyente de estilo gótico.
Jacopo della Quercia (hacia 1374-1438)
Escultor influyente de Siena.
Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
Escultor de & quot; Puertas del Paraíso & quot
Donatello (1386-1466)
Mejor escultor del Renacimiento temprano
Paolo Uccello (1397-1475)
Famoso por trabajar en perspectiva.
Tommaso Masaccio (1401-1428)
El mejor pintor florentino temprano.
Piero della Francesca (1420-92)
Pionero de la perspectiva lineal.
Andrea Mantegna (1430-1506)
Destacado por las técnicas de escorzo ilusionistas.
Donato Bramante (1444-1514)
Arquitecto superior del Alto Renacimiento.
Alessandro Botticelli (1445-1510)
Famoso por la pintura mitológica.
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Creador de Mona Lisa, Última Cena.
Rafael (1483-1520)
Gran pintor del Alto Renacimiento.
Miguel Ángel (1475-1564)
Pintor y escultor de amplificador genio.
Tiziano (1477-1576)
El mejor colorista veneciano.
Andrea del Sarto (1486-1530)
Líder del Alto Renacimiento en Florencia.
Correggio (1489-1534)
Famoso por los frescos de quadratura ilusionistas.
Andrea Palladio (1508-80)
Domina la arquitectura renacentista veneciana, luego imitada en el paladianismo.
Tintoretto (1518-1594)
Pintor religioso manierista.
Paolo Veronese (1528-1588)
Seguidor colorista de Tiziano.

Lista general de pintores y escultores del Renacimiento

Efectos del Renacimiento en la pintura y la escultura

Como se mencionó anteriormente, el Renacimiento italiano se destacó por cuatro cosas. (1) Un renacimiento reverente de las formas y estilos de arte clásico griego / romano (2) Una fe en la nobleza del hombre (Humanismo) (3) El dominio de las técnicas de pintura ilusionista, maximizando la 'profundidad' en una imagen, que incluye: perspectiva lineal, escorzo y después, cuadratura y (4) El realismo naturalista de sus rostros y figuras, realzado por técnicas de pintura al óleo como sfumato.

En el norte de Europa, el Renacimiento se caracterizó por los avances en la representación de la luz a través del espacio y su reflejo desde diferentes superficies y (más visiblemente) en la consecución del realismo supremo en el retrato de caballete y la naturaleza muerta. Esto se debió en parte al hecho de que la mayoría de los artistas del Renacimiento del Norte comenzaron a usar pintura al óleo a principios del siglo XV, con preferencia al temple o al fresco que (debido a razones climáticas y otras) seguían siendo los métodos de pintura preferidos en Italia. La pintura al óleo permitió un color más rico y, debido a su mayor tiempo de secado, se pudo volver a trabajar durante muchas semanas, lo que permitió lograr detalles más finos y un mayor realismo. Los aceites se extendieron rápidamente a Italia: primero a Venecia, cuyo clima húmedo era menos adecuado para el témpera, luego a Florencia y Roma. (Consulte también: Movimientos artísticos, períodos, escuelas, para obtener una breve guía de otros estilos).

Entre otras cosas, esto significó que mientras el cristianismo seguía siendo el tema o sujeto dominante para la mayoría de las artes visuales de la época, los evangelistas, apóstoles y miembros de la Sagrada Familia fueron representados como personas reales, en posturas y poses de la vida real, expresando emociones reales. Al mismo tiempo, hubo un mayor uso de historias de la mitología clásica, que mostraban, por ejemplo, íconos como Venus, la diosa del amor, para ilustrar el mensaje del humanismo. Para obtener más información sobre esto, consulte: Pinturas famosas analizadas.

En lo que se refiere al arte plástico, la escultura renacentista italiana refleja la primacía de la figura humana, especialmente el desnudo masculino. Tanto Donatello como Miguel Ángel se basaron en gran medida en el cuerpo humano, pero no lo utilizaron como vehículo para la energía gótica inquieta ni para la nobleza clásica estática, sino para un significado espiritual más profundo. Dos de las más importantes esculturas renacentistas fueron: David de Donatello (1440-43, Bargello, Florencia) y David de Miguel Ángel (1501-4, Galería de la Academia de las Artes, Florencia). Nota: Para artistas y estilos inspirados en las artes de la antigüedad clásica, consulte: Clasicismo en el arte (800 en adelante).

Estatus elevado de pintores y escultores

Hasta el Renacimiento, los pintores y escultores habían sido considerados simplemente como trabajadores calificados, no muy diferentes a los talentosos decoradores de interiores. Sin embargo, de acuerdo con su objetivo de producir arte clásico reflexivo, el Renacimiento italiano elevó las profesiones de la pintura y la escultura a un nuevo nivel. En el proceso, se le dio una importancia primordial a 'disegno', una palabra italiana cuyo significado literal es 'dibujo' pero cuyo sentido incorpora el 'diseño completo' de una obra de arte, en lugar de 'colorito', la técnica de aplicar pinturas de colores. / pigmentos. Disegno constituyó el componente intelectual de la pintura y la escultura, que ahora se convirtió en la profesión de artistas pensantes, no de decoradores. Ver también: Mejores dibujos renacentistas.

Influencia en el arte occidental

Las ideas y los logros de los artistas del Renacimiento temprano y alto tuvieron un gran impacto en los pintores y escultores que siguieron durante el cinquecento y más tarde, comenzando con la Escuela de Fontainebleau (c. 1528-1610) en Francia. La teoría del arte renacentista fue adoptada y promulgada oficialmente (lamentablemente con demasiada rigidez) por todas las academias de arte oficiales de toda Europa, incluidas, en particular, la Accademia di San Luca en Roma, la Accademia del Disegno en Florencia, la Acad & eacutemie des Beaux-Arts francesa en París y la Royal Academy de Londres. Este enfoque teórico, conocido como 'arte académico', reguló numerosos aspectos de las bellas artes. Por ejemplo, en 1669, Andre Felibien, secretario de la Academia Francesa, anunció una jerarquía de géneros pictóricos, siguiendo el modelo de la filosofía renacentista, de la siguiente manera: (1) Pintura histórica (2) Arte del retrato (3) Pintura de género (4) Paisaje ( 5) Naturaleza muerta.

En resumen, la principal contribución del Renacimiento italiano a la historia del arte reside en la promoción de los valores griegos clásicos. Como resultado, la pintura y la escultura occidentales se desarrollaron en gran medida siguiendo líneas clásicas. Y aunque los artistas modernos, desde Picasso en adelante, han explorado nuevos medios y formas de arte, el modelo principal del arte occidental sigue siendo la Antigüedad griega interpretada por el Renacimiento.

Cronología renacentista

Es costumbre clasificar el arte renacentista italiano en varios períodos diferentes pero superpuestos:

[El Alto Renacimiento se convirtió en manierismo, aproximadamente cuando Roma fue saqueada en 1527].

Esta cronología sigue en gran medida el relato dado en el libro autorizado & quotVite de 'pi & ugrave eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani`` del comentarista renacentista Giorgio Vasari (1511-74).

Historia del arte renacentista

El Renacimiento, o Rinascimento, fue fomentado en gran medida por el crecimiento posfeudal de la ciudad independiente, como la que se encuentra en Italia y el sur de los Países Bajos. Cultivadas ricas a través del comercio y la industria, estas ciudades generalmente tenían una organización democrática de gremios, aunque la democracia política se mantenía a raya generalmente por algún individuo o familia rico y poderoso. Buenos ejemplos incluyen la Florencia del siglo XV, foco del arte renacentista italiano, y Brujas, uno de los centros de la pintura flamenca. Eran los pilares gemelos del comercio y las finanzas europeas. El arte y, como resultado, la artesanía decorativa florecieron: en la ciudad flamenca bajo el patrocinio de los duques de Borgoña, la clase adinerada de los comerciantes y la Iglesia de Florencia bajo la de la adinerada familia Medici.

En esta atmósfera agradable, los pintores se interesaron cada vez más por la representación de la mundo visible en lugar de limitarse a esa preocupación exclusiva por la espiritualidad de la religión que sólo se puede dar forma visual en símbolos y convenciones rígidas. El cambio, sancionado por los gustos y la actitud liberal de los mecenas (incluidos los eclesiásticos sofisticados) ya es evidente en la pintura gótica de la Edad Media tardía, y culmina en lo que se conoce como el estilo gótico internacional del siglo XIV y principios del XV. . En toda Europa en Francia, Flandes, Alemania, Italia y España, los pintores, liberados de las disciplinas monásticas, desplegaron las principales características de este estilo en el mayor interés narrativo de sus pinturas religiosas, el esfuerzo por dar más humanidad de sentimiento y apariencia a la Virgen. y otras imágenes veneradas, un carácter más individual para el retrato en general y para introducir detalles de paisajes, animales y aves que el pintor-monje de un día anterior habría pensado demasiado mundano. Estas, se puede decir, fueron características también de la pintura renacentista, pero una diferencia vital apareció a principios del siglo XV. Representantes del gótico internacional como Simone Martini (1285-1344) de la escuela de pintura de Siena, y Gentile da Fabriano (c.1370-1427), nacido en Umbría, seguían dominados por la idea de hacer un elegante diseño de superficie con un patrón de color brillante y poco realista. El objetivo realista de la siguiente generación implicó el paso radical de penetrar a través de la superficie para dar una nueva sensación de espacio, recesión y forma tridimensional.

Este avance decisivo en el realismo apareció por primera vez casi al mismo tiempo en Italia y los Países Bajos, más específicamente en la obra de Masaccio (1401-28) en Florencia y de Jan van Eyck (c. 1390-1441) en Brujas. Masaccio, de quien Delacroix dijo que había provocado la mayor revolución que la pintura haya conocido, dio un nuevo impulso a la pintura del Renacimiento temprano en sus frescos en la Capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine.

Ver en particular: Expulsión del jardín del Edén (1425-6, Capilla Brancacci), y Santísima Trinidad (1428, Santa Maria Novella).

Las figuras en estas composiciones narrativas parecían estar de pie y moverse en el espacio ambiental, fueron modeladas con algo del sentimiento de un escultor por las tres dimensiones, mientras que el gesto y la expresión fueron variados de una manera que estableció no solo los diferentes personajes de las personas representadas, sino también su interrelación. A este respecto, anticipó el estudio especial de Leonardo en La última cena (1495-98, Convento de Santa Maria delle Grazie, Milán).

Aunque Van Eyck también creó un nuevo sentido del espacio y la vista, existe una diferencia obvia entre su trabajo y el de Masaccio, que también ilumina la distinción entre la notable escuela flamenca del siglo XV y el Renacimiento temprano italiano. Ambos fueron admirados como igualmente "modernos" pero eran distintos en medio e idea. Italia tenía una larga tradición de pintura mural al fresco, lo que en sí mismo contribuía a una cierta amplitud de estilo, mientras que el pintor holandés, que trabajaba en un medio al óleo sobre cuadros de tamaño relativamente pequeño, conservaba algo de la minuciosidad del pintor en miniatura. Masaccio, de hecho, no fue un innovador solitario, sino uno que desarrolló la tradición narrativa al fresco de su gran precursor del protorrenacimiento en Florencia, Giotto di Bondone (1267-1337). Ver, por ejemplo, el último Frescos de la capilla de los Scrovegni (c.1303-10, Padua).

Florencia tenía una orientación diferente también como centro de aprendizaje clásico y estudio filosófico. El vigor intelectual de la ciudad la convirtió en la sede principal del Renacimiento en el siglo XV y fue una influencia que se dejó sentir en cada arte. Los eruditos que se dedicaron al estudio y traducción de textos clásicos, tanto latinos como griegos, fueron los tutores en hogares ricos y nobles que llegaron a compartir su entusiasmo literario. Esto a su vez creó el deseo de versiones pictóricas de la historia antigua y la leyenda. En consecuencia, la gama de temas del pintor se amplió enormemente y ahora tenía más problemas de representación que resolver.

De esta manera, lo que podría haber sido simplemente una nostalgia por el pasado y un retroceso en el arte se convirtió en un avance y un emocionante proceso de descubrimiento. El cuerpo humano, durante tanto tiempo excluido de la pintura de bellas artes y la escultura medieval por escrúpulos religiosos, excepto en la forma más exigua e irreal, ganó una nueva importancia en la representación de los dioses, diosas y héroes del mito clásico. Los pintores tuvieron que volver a familiarizarse con anatomía, para comprender la relación entre hueso y músculo, la dinámica del movimiento. En la imagen ahora tratada como un escenario en lugar de un plano, era necesario explorar y hacer uso de la ciencia de perspectiva lineal. Además, el ejemplo de la escultura clásica fue un aliciente para combinar el naturalismo con un ideal de perfecta proporción y belleza física.

Pintores y escultores, a su manera, afirmaron la dignidad del hombre como lo hicieron los filósofos humanistas, y manifestaron la misma sed de conocimiento. De hecho, es extraordinaria la lista de grandes artistas florentinos del siglo XV y, no menos extraordinario, el número de ellos que practicaron más de un arte o forma de expresión.

En todos los sentidos, el notable Familia Medici Fomentó el clima intelectual y el desarrollo de las artes que hicieron de Florencia la fuente principal del Renacimiento. La fortuna derivada de la casa bancaria fundada por Giovanni de 'Medici (c.1360-1429), con dieciséis sucursales en las ciudades de Europa, se gastó en esta promoción de la cultura, especialmente por los dos miembros más distinguidos de la familia, Cosimo. , El hijo de Giovanni (1389-1464), y su nieto Lorenzo (1448-92), quienes en sus propias dotes como hombres de finanzas, política y diplomacia, su amor por los libros, su generoso patrocinio de los vivos y su aprecio por las antigüedades de muchos tipos, eran típicos de la universalidad que estaba tanto en el espíritu del Renacimiento.

La equiparación de la filosofía de Platón y la doctrina cristiana en la academia instituida por Cosme de 'Medici parece haber sancionado la división de la actividad de un pintor, como sucedía tan a menudo, entre el sujeto religioso y el pagano. La atmósfera intelectual que crearon los Medici fue un elemento vigorizante que hizo que Florencia se alejara de la vecina Siena. Aunque ninguna otra ciudad italiana del siglo XV podía presumir de semejante constelación de genio en el arte, las más cercanas a Florencia eran las ciudades igualmente administradas por mecenas ilustrados. Ludovico Gonzaga (1414-78) Marqués de Mantua, fue un típico gobernante del Renacimiento en su aptitud para la política y la diplomacia, en su estímulo al saber humanista y en el gusto cultivado que lo llevó a formar una gran colección de arte y a emplear a Andrea Mantegna (1431- 1506) como pintor de la corte.

De calibre similar fue Federigo Montefeltro, Duque de Urbino. Like Ludovico Gonzaga, he had been a pupil of the celebrated humanist teacher, Vittorino da Feltre, whose school at Mantua combined manly exercises with the study of Greek and Latin authors and inculcated the humanist belief in the all-round improvement possible to man. At the court of Urbino, which set the standard of good manners and accomplishment described by Baldassare Castiglione in Il Cortigiano, the Duke entertained a number of painters, principal among them the great Piero della Francesca (1420-92).

The story of Renaissance painting after Masaccio brings us first to the pious Fra Angelico (c.1400-55), born earlier but living much longer. Something of the Gothic style remains in his work but the conventual innocence, which is perhaps what first strikes the eye, is accompanied by a mature firmness of line and sense of structure. This is evident in such paintings of his later years as The Adoration of the Magi now in the Louvre and the frescoes illustrating the lives of St. Stephen and St. Lawrence, frescoed in the Vatican for Pope Nicholas V in the late 1440s. They show him to have been aware of, and able to turn to advantage, the changing and broadening attitude of his time. See also his series of paintings on The Annunciation (c.1450, San Marco Museum). His pupil Benozzo Gozzoli (c.1421-97) nevertheless kept to the gaily decorative colour and detailed incident of the International Gothic style in such a work as the panoramic Procession of the Magi in the Palazzo Riccardi, Florence, in which he introduced the equestrian portrait of Lorenzo de' Medici.

Nearer to Fra Angelico than Masaccio was Fra Filippo Lippi (c.1406-69), a Carmelite monk in early life and a protege of Cosimo de' Medici, who looked indulgently on the artist's various escapades, amorous and otherwise. Fra Filippo, in the religious subjects he painted exclusively, both in fresco and panel, shows the tendency to celebrate the charm of an idealized human type that contrasts with the urge of the fifteenth century towards technical innovation. He is less distinctive in purely aesthetic or intellectual quality than in his portrayal of the Madonna as an essentially feminine being. His idealized model, who was slender of contour, dark-eyed and with raised eyebrows, slightly retrousse nose and small mouth, provided an iconographical pattern for others. A certain wistfulness of expression was perhaps transmitted to his pupil, Sandro Botticelli (1445-1510).

In Botticelli's paintings, much of the foregoing development of the Renaissance is summed up. He excelled in that grace of feature and form that Fra Filippo had aimed to give and of which Botticelli's contemporary, Domenico Ghirlandaio (1449-94), also had his delightful version in frescoes and portraits. He interpreted in a unique pictorial fashion the neo-Platonism of Lorenzo de Medici's humanist philosophers. The network of ingenious allegory in which Marsilio Ficino, the tutor of Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici (a cousin of Lorenzo the Magnificent), sought to demonstrate a relation between Grace, Beauty and Faith, has equivalent subtlety in La Primavera (c.1482-3, Uffizi) and the Birth of Venus (c.1484-6, Uffizi) executed for Lorenzo's villa. The poetic approach to the classics of Angelo Poliziano, also a tutor of the Medici family, may be seen reflected in Botticelli's art. Though his span of life extended into the period of the High Renaissance, he still represents the youth of the movement in his delight in clear colours and exquisite natural detail. Perhaps in the wistful beauty of his Aphrodite something may be found of the nostalgia for the Middle Ages towards which, eventually, when the fundamentalist monk Savonarola denounced the Medici and all their works, he made his passionate gesture of return.

The nostalgia as well as the purity of Botticelli's linear design, as yet unaffected by emphasis on light and shade, made him the especial object of Pre-Raphaelite admiration in the nineteenth century. But, as in other Renaissance artists, there was an energy in him that imparted to his linear rhythms a capacity for intense emotional expression as well as a gentle refinement. The distance of the Renaissance from the inexpressive calm of the classical period as represented by statues of Venus or Apollo, resides in this difference of spirit or intention even if unconsciously revealed. The expression of physical energy which at Florence took the form, naturally enough, of representations of male nudes, gives an unclassical violence to the work of the painter and sculptor Antonio Pollaiuolo (1426-98). Pollaiuolo was one of the first artists to dissect human bodies in order to follow exactly the play of bone, muscle and tendon in the living organism, with such dynamic effects as appear in the muscular tensions of struggle in his bronze of Hercules and Antaeus (Florence, Bargello) and the movements of the archers in his painting The Martyrdom of St. Sebastian (NG, London). The same sculptural emphasis can be seen in frescoes by the lesser-known but more influential artist Andrea del Castagno (c.1420-57).

Luca Signorelli (c.1441-1523), though associated with the Umbrian School as the pupil of Piero della Francesca, was strongly influenced by the Florentine Pollaiuolo in his treatment of the figure. With less anatomical subtlety but with greater emphasis on outward bulges and striations of muscle and sinew, he too aimed at dynamic effects of movement, obtaining them by sudden explosions of gesture.

It was a direction of effort that seems to lead naturally and inevitably to the achievement of Michelangelo (1475-1654). Though there are manifest differences in mode of thought and style between his Last Lodgement in the Sistine Chapel and Signorelli's version in the frescoes in Orvieto Cathedral, they have in common a formidable energy. It was a quality which made them appear remote from the balance and harmony of classical art. Raphael (1483-1520) was much nearer to the classical spirit in the Apollo of his Parnassus in the Vatican and the Galatea in the Farnesina, Rome. One of the most striking of the regional contrasts of the Renaissance period is between the basically austere and intellectual character of art in Tuscany in the rendering of the figure as compared with the sensuous languor of the female nudes painted in Venice by Giorgione (1477-1510) and Titian (c.1485-1576). (For more, please see: Venetian Portrait Painting c.1400-1600.) Though even in this respect Florentine science was not without its influence. The soft gradation of shadow devised by Leonardo da Vinci to give subtleties of modelling was adopted by Giorgione and at Parma by Antonio Allegri da Correggio (1489-1534) as a means of heightening the voluptuous charm of a Venus, an Antiope or an Io.

The Renaissance masters not only made a special study of anatomy but also of perspective, mathematical proportion and, in general, the science of space. The desire of the period for knowledge may partly account for this abstract pursuit, but it held more specific origins and reasons. Linear perspective was firstly the study of architects in drawings and reconstructions of the classical types of building they sought to revive. In this respect, the great architect Filippo Brunelleschi (1377-1446) was a leader in his researches in Rome. In Florence he gave a demonstration of perspective in a drawing of the piazza of San Giovanni that awakened the interest of other artists, his friend Masaccio in particular. The architect Leon Battista Alberti (1404-72) was another propagator of the scientific theory. Painters concerned with a picture as a three-dimensional illusion realized the importance of perspective as a contribution to the effect of space - an issue which involved techniques of illusionistic mural painting such as quadratura, first practised by Mantegna at the Ducal Palace in Mantua in his Camera degli Sposi frescoes (1465-74).

Paolo Uccello (1397-1475) was one of the earl promoters of the science at Florence. His painting of the Battle of San Romano in the National Gallery, London, with its picturesqueness of heraldry, is a beautifully calculated series of geometric forms and mathematical intervals. Even the broken lances on the ground seem so arranged as to lead the eye to a vanishing point. His foreshortening of a knight prone on the ground was an exercise of skill that Andrea Mantegna was to emulate. It was Mantegna who brought the new science of art to Venice.

In the complex interchange of abstract and mathematical ideas and influences, Piero della Francesca stands out as the greatest personality. Though an Umbrian, born in the little town of Borgo San Sepolcro, he imbibed the atmosphere of Florence and Florentine art as a young man, when he worked there with the Venetian-born Domenico Veneziano (c.1410-61). Domenico had assimilated the Tuscan style and had his own example of perspective to give, as in the beautiful Annunciation now in the Fitzwilliam Museum, Cambridge, though Piero probably gained his scientific attitude towards design from the three pioneers of research, Brunelleschi, Alberti and Donatello (1386-1466), the greatest sculptor in quattrocento Florence.

Classical in ordered design and largeness of conception, but without the touch of antiquarianism that is to be found in Mantegna, Piero was an influence on many painters. His interior perspectives of Renaissance architecture which added an element of geometrical abstraction to his figure compositions were well taken note of by his Florentine contemporary, Andrea del Castagno (c.1420-57). A rigidly geometrical setting is at variance with and yet emphasizes the flexibility of human expression in the Apostles in Andrea's masterpiece La última cena in the Convent of Sant' Apollonia, Florence. Antonello da Messina (1430-1479) who introduced the Flemish technique of oil painting to Venice brought also a sense of form derived from Piero della Francesca that in turn was stimulating in its influence on Giovanni Bellini (1430-1516), diverting him from a hard linear style like that of Mantegna and contributing to his mature greatness as leader of Venetian Painting, and the teacher of Giorgione and Titian.

Of the whole wonderful development of the Italian Renaissance in the fifteenth century, Leonardo da Vinci and Michelangelo were the heirs. los universality of the artist was one crucial aspect of the century. Between architect, sculptor, painter, craftsman and man of letters there had been no rigid distinction. Alberti was architect, sculptor, painter, musician, and writer of treatises on the theory of the arts. Andrea del Verrocchio (1435-88), an early master of Leonardo, is described as a goldsmith, painter, sculptor and musician: and in sculpture could vie with any master. Pero Leonardo y Miguel Angel displayed this universality to a supreme degree. Leonardo, the engineer, the prophetic inventor, the learned student of nature in every aspect, the painter of haunting masterpieces, has never failed to excite wonder. See, for instance, his Virgin of the Rocks (1483-5, Louvre, Paris) and Lady with an Ermine (1490, Czartoryski Museum, Krakow). As much may be said of Michelangelo, the sculptor, painter, architect and poet. The crown of Florentine achievement, they also mark the decline of the city's greatness. Rome, restored to splendour by ambitious popes after long decay, claimed Michelangelo, together with Raphael, to produce the monumental conceptions of High Renaissance painting: two absolute masterpieces being Michelangelo's Genesis fresco (1508-12, Sistine Chapel ceiling, Rome), which includes the famous Creation of Adam (1511-12), and Raffaello Sanzio's Sistine Madonna (1513-14, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresden). In addition, both artists were appointed architect-in-charge of the new St Peter's Basilica in Rome, a symbol of the city's transformation from medieval to Renaissance city. Leonardo, absorbed in his researches was finally lured away to France. Yet in these great men the genius of Florence lived on. For the story of the Late Renaissance, during the period (c.1530-1600) - a period which includes the greatest Venetian altarpieces as well as Michelangelo's magnificent but foreboding Last Judgment fresco on the altar wall of the Sistine Chapel - see: Mannerist Painting in Italy. See also: Titian and Venetian Colour Painting c.1500-76.

Best Collections of Renaissance Art

The following Italian galleries have major collections of Renaissance paintings or sculptures.

• For more about the Florentine, Roman or Venetian Renaissance, see: Visual Arts Encyclopedia.


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Where Did the Renaissance Begin?

Historians agree that the Renaissance originated in Italy, but they disagree on the particular time it began. Several theories have been put forward to explain why the period commenced in Italy and why it began at the time it did. The wealth of Italy was greatly expanded in the 14th to the 16th centuries by extending trade into Europe and Asia. Tyrol prospered from silver mining while Venice and Genoa had an abundance of luxuries from the Eastern world. Artists relied on patrons to fund their artistic ventures, and the prosperity of Italy put money in the patrons' hands. In the late middle Ages, Italy was constituted of city states and territories which had a degree of political freedom that enabled artistic and academic advancement. The existence of such Merchant Republics such as Venice and Florence ensured there was a constant flow of money. The Black Death has also been suggested as one of the factors which triggered the Renaissance. Italy registered a lot of deaths during the plague, and the subsequent familiarity with death led scholars to dwell more on their existence on Earth rather than on the afterlife and spirituality. The Renaissance began in Florence in particular, and historians have suggested that this was because of the presence of wealth and generous patrons or it was due to luck.


3. Platonism

During the Renaissance, it gradually became possible to take a broader view of philosophy than the traditional Peripatetic framework permitted. No ancient revival had more impact on the history of philosophy than the recovery of Platonism. The rich doctrinal content and formal elegance of Platonism made it a plausible competitor of the Peripatetic tradition. Renaissance Platonism was a product of humanism and marked a sharper break with medieval philosophy. Many Christians found Platonic philosophy safer and more attractive than Aristotelianism. The Neoplatonic conception of philosophy as a way toward union with God supplied many Renaissance Platonists with some of their richest inspiration. The Platonic dialogues were not seen as profane texts to be understood literally, but as sacred mysteries to be deciphered.

Platonism was brought to Italy by the Byzantine scholar George Gemistos Plethon (c.1360–1454), who, during the Council of Florence in 1439, gave a series of lectures that he later reshaped as De differentiis Aristotelis et Platonis (The Differences between Aristotle and Plato). This work, which compared the doctrines of the two philosophers (to Aristotle’s great disadvantage), initiated a controversy regarding the relative superiority of Plato and Aristotle. In the treatise In calumniatorem Platonis (Against the Calumniator of Plato), Cardinal Bessarion (1403–1472) defended Plethon against the charge levelled against his philosophy by the Aristotelian George of Trebizond (1396–1472), who in Comparatio philosophorum Aristotelis et Platonis (A Comparison of the Philosophers Aristotle and Plato) had maintained that Platonism was unchristian and actually a new religion.

The most important Renaissance Platonist was Marsilio Ficino (1433–1499), who translated Plato’s works into Latin and wrote commentaries on several of them. He also translated and commented on Plotinus’s Enneads and translated treatises and commentaries by Porphyry, Iamblichus, Proclus, Synesius, and other Neoplatonists. He considered Plato as part of a long tradition of ancient theology (prisca theologia) that was inaugurated by Hermes and Zoroaster, culminated with Plato, and continued with Plotinus and the other Neoplatonists. Like the ancient Neoplatonists, Ficino assimilated Aristotelian physics and metaphysics and adapted them to Platonic purposes. In his main philosophical treatise, Theologia Platonica de immortalitate animorum (Platonic Theology on the Immortality of Souls, 1482), he put forward his synthesis of Platonism and Christianity as a new theology and metaphysics, which, unlike that of many Scholastics, was explicitly opposed to Averroist secularism. Another work that became very popular was De vita libri tres (Three Books on Life, 1489) by Ficino it deals with the health of professional scholars and presents a philosophical theory of natural magic.

One of Ficino’s most distinguished associates was Giovanni Pico della Mirandola (1463–1494). He is best known as the author of the celebrated Oratio de hominis dignitate (Oration on the Dignity of Man), which is often regarded as the manifesto of the new Renaissance thinking, but he also wrote several other prominent works. They include Disputationes adversus astrologiam divinatricem (Disputations against Divinatory Astrology), an influential diatribe against astrology De ente et uno (On Being and the One), a short treatise attempting to reconcile Platonic and Aristotelian metaphysical views as well as Heptaplus (Seven Days of Creation), a mystical interpretation of the Genesis creation myth. He was not a devout Neoplatonist like Ficino, but rather an Aristotelian by training and in many ways an eclectic by conviction. He wanted to combine Greek, Hebrew, Muslim, and Christian thought into a great synthesis, which he spelled out in nine hundred theses published as Conclusiones in 1486. He planned to defend them publicly in Rome, but three were found heretical and ten others suspect. He defended them in Apologia, which provoked the condemnation of the whole work by Pope Innocent VIII. Pico’s consistent aim in his writings was to exalt the powers of human nature. To this end he defended the use of magic, which he described as the noblest part of natural science, and Kabbalah, a Jewish form of mysticism that was probably of Neoplatonic origin.

Platonic themes were also central to the thought of Nicholas of Cusa (1401–1464), who linked his philosophical activity to the Neoplatonic tradition and authors such as Proclus and Pseudo-Dionysius. The main problem that runs through his works is how humans, as finite created beings, can think about the infinite and transcendent God. His best-known work is De docta ignorantia (On Learned Ignorance, 1440), which gives expression to his view that the human mind needs to realize its own necessary ignorance of what God is like, an ignorance that results from the ontological and cognitive disproportion between God and the finite human knower. Correlated to the doctrine of learned ignorance is that of the coincidence of opposites in God. All things coincide in God in the sense that God, as undifferentiated being, is beyond all opposition. Two other works that are closely connected to De docta ignorantia están De coniecturis (On Conjectures), in which he denies the possibility of exact knowledge, maintaining that all human knowledge is conjectural, and Apologia docta ignorantiae (A Defense of Learned Ignorance, 1449). In the latter, he makes clear that the doctrine of learned ignorance is not intended to deny knowledge of the existence of God, but only to deny all knowledge of God’s nature.

One of the most serious obstacles to the reception and adoption of Platonism in the early fifteenth century was the theory of Platonic love. Many scholars were simply unable to accept Plato’s explicit treatment of homosexuality. Yet by the middle of the sixteenth century this doctrine had become one of the most popular elements of Platonic philosophy. The transformation of Platonic love from an immoral and offensive liability into a valuable asset represents an important episode in the history of Plato’s re-emergence during the Renaissance as a major influence on Western thought.

Bessarion and Ficino did not deny that Platonic love was essentially homosexual in outlook, but they insisted that it was entirely honourable and chaste. To reinforce this point, they associated Platonic discussions of love with those found in the Bible. Another way in which Ficino made Platonic love more palatable to his contemporaries was to emphasise its place within an elaborate system of Neoplatonic metaphysics. But Ficino’s efforts to accommodate the theory to the values of a fifteenth-century audience did not include concealing or denying that Platonic love was homoerotic. Ficino completely accepted the idea that Platonic love involved a chaste relationship between men and endorsed the belief that the soul’s spiritual ascent to ultimate beauty was fuelled by love between men.

En Gli Asolani (1505), the humanist Pietro Bembo (1470–1547) appropriated the language of Platonic love to describe some aspects of the romance between a man and a woman. In this work, love was presented as unequivocally heterosexual. Most of the ideas set out by Ficino are echoed by Bembo. However, Ficino had separated physical love, which had women as its object, from spiritual love, which was shared between men. Bembo’s version of Platonic love, on the other hand, dealt with the relationship between a man and a woman which gradually progresses from a sexual to a spiritual level. The view of Platonic love formulated by Bembo reached its largest audience with the humanist Baldesar Castiglione’s (1478–1529) Il libro del cortegiano (The Courtier, 1528). Castiglione carried on the trend, initiated by Bessarion, of giving Platonic love a strongly religious coloring, and most of the philosophical content is taken from Ficino.

One of the most popular Renaissance treatises on love, Dialoghi d’amore (Dialogues of Love, 1535), was written by the Jewish philosopher Judah ben Isaac Abravanel, also known as Leone Ebreo (c.1460/5–c.1520/5). The work consists of three conversations on love, which he conceives of as the animating principle of the universe and the cause of all existence, divine as well as material. The first dialogue discusses the relation between love and desire the second the universality of love and the third, which provides the longest and most sustained philosophical discussion, the origin of love. He draws upon Platonic and Neoplatonic sources, as well as on the cosmology and metaphysics of Jewish and Arabic thinkers, which are combined with Aristotelian sources in order to produce a synthesis of Aristotelian and Platonic views.


Individualized Learning

Renaissance respects each student’s individual learning style. Students, staff and parents are treated with dignity, respect, and the support of a caring community. To make sure the specific needs of each child are identified and met, Renaissance conducts assessments of every student, starting at an early age and repeatedly through their education. They provide more comprehensive evaluations when necessary. Each at-risk student has an individualized learning plan to set educational goals and record progress. Students also have access to assistive technology based on their individual evaluations, as well as the ongoing support of trained professionals. The unique needs of students are addressed in a variety of ways. Starting in Kindergarten through 3rd grade, we offer the Children’s Institute Primary Project to support children with mild classroom adjustment issues.


Historia

By the beginning of the 15th century, Europe's Dark Ages (approximately 500-1000 AD) were coming to an end. During this time, art in Europe was usually religious, and, though often rendered in expressive detail, displayed little interest in perspective and human realism. However, around the year 1400, Italian artists began to emulate Classical sculpture in their work.

Thanks to the invention of the printing press 50 years later, these ideas would spread across the continent, inspiring northern artists to embrace a likeminded approach to artistic representation. Albrecht Dürer, a German painter and printmaker who knew many Italian Renaissance artists personally, embodied this ideal, famously nothing that “the new art must be based upon science.”


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