WC. Campos - Historia

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WC. Los campos

1879- 1946

Actor

WC Fields nació en Darby Pennsylvania el 29 de enero de 1880. Se fue de casa para actuar. En 1905, Fields hizo su debut en Broadway en una comedia musical, El árbol del jamón. Desde el vodevil hasta las películas, William Claude Fields (originalmente Dukenfield) ocupó un lugar especial en los anales del entretenimiento estadounidense. Conocido por su personaje escénico del misántropo cínico y bebedor, la imagen de Fields todavía evoca sonrisas de reconocimiento.

Algunas de sus películas más recordadas incluyen No puedes engañar a un hombre honesto (1939) y Mi pequeño carbonero (1940, con Mae West)


(Travalanche)

Fue un hermoso día en Nueva York para ayer & # 8217s W.C. Fields History Walk, dirigido por Kevin Fitzpatrick, que se centró en los lugares donde W.C. Fields vivió, trabajó y recreó en el distrito de Broadway. Todo es parte de Fields Fest, nuestra celebración de dos meses de la vida y carrera de Fields & # 8217. Estos son algunos de los lugares en los que paramos.

Trav S.D. y Kevin Fitzpatrick, antes de comenzar la gira en Shubert Alley.

Fitzpatrick educa a la multitud sobre el Gran Hombre.

Este edificio fue anteriormente el Hotel Markwell, el último lugar donde Fields vivió con su esposa Harriet y su hijo pequeño Claude en 1905 antes de que las presiones del mundo del espectáculo finalmente abrieran una brecha en el matrimonio. Hoy es una instalación de vida asistida.

El Palace Theatre, el buque insignia del vodevil a lo grande, antes y ahora. Fields apareció aquí en un proyecto de ley con Sarah Bernhart en 1913 cuando todavía era un malabarista.

El New Amsterdam Theatre, hogar del Locuras de Ziegfeld, entonces y ahora. Fields apareció en las ediciones de 1915, 1916, 1917, 1918, 1920, 1921 y 1925 de la Locuras, así como la edición de 1919 de Ziegfeld & # 8217s Fiesta de medianoche y la edición de 1920 de Ziegfeld & # 8217s Nine O & # 8217Clock Revue. Obtenga más información sobre estos y Fields & # 8217 otros espectáculos de Broadway aquí.

La fachada de la zona alta del Lyric Theatre, que actualmente comprende los antiguos Lyric y Apollo Theatres. El Apollo fue el sitio de Fields & # 8217s smash hit show Amapola. (Naturalmente, este era un Apolo diferente al de Harlem).

Anteriormente el Astor Hotel, donde artistas como Fields se doblaron un codo después del espectáculo.

El Globe Theatre (ahora llamado Lunt & # 8211Fontanne), donde Fields apareció en George White y los escándalos n. ° 8217 de 1922.

Hammerstein & # 8217s Theatre, sitio de Fields & # 8217 último espectáculo de Broadway Alboroto (1930). Hoy es el Teatro Ed Sullivan, donde El último espectáculo con Stephen Colbert es producido. Si Fields hubiera vivido solo dos años más, Sullivan podría haberlo presentado en su programa de televisión.

Esta fue una parada genial en el camino. Debo haber pasado por aquí mil veces sin darme cuenta. Israel Miller fue el zapatero de las estrellas a principios del siglo pasado. En 1929 se llevó a cabo un concurso en el que los participantes votaron por las cuatro actrices estadounidenses más queridas. Las estatuas de los ganadores (Ethel Barrymore, Marilyn Miller, Mary Pickford y Rosa Ponselle) fueron creadas por Alexander Stirling Calder (padre del escultor modernista más conocido) e instalado en la fachada del edificio.

El recorrido se detuvo en Flute Midtown, sitio de Texas Guinan & # 8217s Speakeasy y antiguo hogar de Wit & # 8217s End, donde su corresponsal se recompensó con el cóctel de champán exclusivo de la casa & # 8217, que está impregnado de jengibre y conocido como & # 8220Intime & # 8221 en honor al club Guinan & # 8217s. Es un trabajo duro, ¡pero alguien tiene que hacerlo! Y de todos modos, hicimos un brindis por W.C. ¡Los campos! Para obtener información sobre los próximos eventos del Fields Fest, vaya aquí.

Busque más sobre esta gira en las próximas semanas en el programa web Classic Movies and More, presentado por Rob Medaska.


WC. Recorrido histórico por los campos de Broadway y el vodevil n. ° 038

Dé un paseo por la vida neoyorquina del actor y comediante W. C. Fields en la época que va desde 1905 hasta los locos años veinte. Siga los pasos del gran intérprete y vea los lugares asociados con su vida antes de ir a Hollywood. Si eres fanático de las historias de teatro antiguas y las películas mudas, este es el recorrido para ti.

Los recorridos privados están disponibles cuando no se programan recorridos públicos. Comuníquese con Kevin Fitzpatrick para organizar un viaje chárter de dos a treinta personas.

WC. Fields & # 038 Madge Kennedy en Poppy.

El recorrido ofrece una descripción general de la historia de Broadway, Vaudeville, artistas de Nueva York y Times Square. También se repasa la historia de la Prohibición, la Huelga de Actores de 1919, el ascenso y desaparición del vodevil y las coloridas historias de las locuras de Ziegfeld.

La caminata generalmente concluye en un antiguo bar clandestino que alguna vez fue propiedad de Texas Guinan, para tomar algunos cócteles muy parecidos a los de Fields.


Nuestra historia: el comediante W.C. Fields una vez llamó a Bayside hogar

En enero, el Museo Americano de la Imagen en Movimiento presentó una retrospectiva que celebra la carrera de un cómico maestro, W.C. Los campos. Un genio de la comedia cinematográfica, Fields comenzó su carrera como animador de salas de variedades y se hizo conocido por su humor mordaz, así como por su nariz bulbosa y su voz arrastrada. Sin embargo, los relatos del evento del Museo no mencionaron que Fields fue una vez un residente del pueblo de Bayside y que algunas de sus primeras películas mudas se hicieron aquí. Una fue filmada en Bell Avenue (el nombre anterior de hoy & # 8217s Bell Boulevard) frente a la casa de la infancia de mi esposo & # 8217s cerca de la 48th Avenue, que se usó como telón de fondo y él estaba presente, sentado en la valla frente a la cual las cámaras estaban preparadas.

WC. Fields nació como Claude William Dunkenfield en abril de 1879 en Filadelfia. A una edad temprana se escapó de casa, tuvo algunos encuentros con la ley por pequeños robos y de alguna manera se convirtió en vodevil. A menudo catalogado como & # 8220El mejor comediante del mundo & # 8221, prefería ser conocido como el & # 8220más malabarista del mundo & # 8221 y fue como malabarista cómico lo que hizo su primera reputación. Se unió a Ziegfield Follies en 1915 y más tarde apareció en Scandals of 1922 antes de hacer & # 8220Sally of the Sawdust, & # 8221 dirigida por el famoso D.W. Griffith.

Durante el rodaje, Fields improvisó gran parte de su material. Sin embargo, escribió los guiones de muchas de sus películas utilizando varios seudónimos. Apareció con Baby Leroy en & # 8220It & # 8217s a Gift, & # 8221, uno de sus vehículos que odian a los niños, y desempeñó papeles tan variados como Zazu Pitts & # 8217 esposo por correo en & # 8220Mrs. Wiggs of the Cabbage Patch. & # 8221 Como & # 8220Great McGonigle & # 8221, interpretó a un actor y director de un teatro melodramático de principios de siglo.

Algunos dicen que la visión misantrópica del mundo de Field & # 8217 que se reflejó en sus películas proviene de sus experiencias juveniles en las calles más sórdidas de Filadelfia.

A los 21 años, Fields era una estrella internacional del malabarismo. Después de haber protagonizado Ziegfield & # 8217s Follies en 1914, hizo su primera película, & # 8220Pool Shark, & # 8221, que se basó en uno de sus actos más famosos.

Fields tuvo una carrera errática en el cine mudo pero supo ascender al estrellato con la llegada del sonido. Su personalidad cómica y sus observaciones sobre la vida se mezclaron bien con su nariz bulbosa y sus ojos nublados mientras se avecinaba una extraña calamidad.

Sus mejores películas, & # 8220Million Dollar Legs & # 8221 (1936), & # 8220 You Can & # 8217t Cheat an Honest Man & # 8221 (1939), & # 8220 My Little Chickadee & # 8221 (1940), & # 8220 The Bank Dick & # 8221 ( 1940) y & # 8220Never Give a Lecker an even break & # 8221 (1941), lo convirtieron en una de las estrellas más populares de su tiempo.

Una de las elecciones de reparto más inspiradas fue la decisión de MGM de tomar prestado a Fields de Paramount para interpretar a Micawber en & # 8220David Copperfield & # 8221, aunque el director George Cukor tuvo grandes dificultades para persuadir a Fields de que los malabarismos no podían incluirse en el guión. Aun así, este gran actor dejó la huella única de su personalidad en la película.

A principios del siglo XX, Bayside, con su posición privilegiada cerca del centro neurálgico de la ciudad de Nueva York y situado en un lugar de moda en Little Neck Bay, atrajo a un grupo de estrellas y ejecutivos adinerados de la industria cinematográfica en expansión. Mucho antes de Malibú, este pueblo se convirtió literalmente en una colonia de películas. Entre los nuevos ricos estaba Fields, que vivía a la vuelta de la esquina de Joseph Schenk, el productor de cine, y su esposa, la actriz de cine, Norma Talmadge. La casa Fields & # 8217 sigue en pie, pero ya no baja a la playa como antes, porque la propiedad se separó de la costa cuando se construyó Cross Island Parkway.


Nacido el 29 de enero: W.C. Los campos

WC. Fields (nacido William Claude Dunkenfield en Darby, Pensilvania, el 29 de enero de 1880) fue un famoso comediante, actor de cine y estrella de radio durante la primera mitad del siglo XX.

Fields aprendió a hacer malabares a una edad temprana y se escapó de casa, finalmente consiguió un trabajo entreteniendo a multitudes y haciéndose un nombre en el vodevil. Aunque comenzó con un acto de malabarismo en su mayoría silencioso, comenzó a agregar apartes mascullados, un truco que se convertiría en una de sus muchas marcas de cómic.

Fue un miembro fijo de Ziegfeld Follies a los 25 años y entró en el cine mudo con papeles que solía escribir para él mismo.

Conéctese con Linn's Stamp News:

Cuando llegaron los "sonoros", Fields perfeccionó su reputación cinematográfica como un personaje arrastrado y cascarrabias que apreciaba mucho más su bebida que su prójimo.

En la radio, Fields se convirtió en un habitual que intercambiaba ásperas réplicas con el compañero ficticio del ventrílocuo Edgar Bergen, Charlie McCarthy.

Hizo sus películas más populares para Universal Studios en la década de 1940, incluyendo Mi pequeño carbonero con Mae West, El banco Dick, y Nunca le des a un tonto un descanso uniforme. Su salud se deterioró a partir de ese momento, y Fields murió a los 66 años el 25 de diciembre de 1946.


W. C. FIELDS - CARTA DE AUTÓGRAFO FIRMADA - HFSID 283831

W. C. CAMPOS
Carta autógrafa de tres páginas a su amante Carlotta Monti, firmada por Fields como "Continental Claude", llamando a Hitler "lleno de mierda" y confiando, "como los tres monos, no veo nada, no sé nada y no beberé nada" excepto Cerveza."
Carta autógrafa firmada: "Continental Claude", 3 páginas, 8 y frac12x11. Bel Air, Día del Trabajo. A "Katrinka & amp Claudia". ["Katrinka" era el apodo de Fields para Carlotta Monti.] En su totalidad: "Supongo que te estarás preguntando por qué no has recibido tu paquete todavía. Y diciéndoles a tus amigos que no soy un hombre de palabra. Dame tiempo y puedo explicar cualquier cosa. Prácticamente todas las naciones estarán en guerra cuando llegue esta misiva. Pero tú, desafortunadamente para ti mismo, sostuviste que el mundo entero estaría en guerra. Fue entonces cuando acepté tu apuesta: 'Te apuesto a que el mundo entero estará en guerra para 1940. Si no, dame un paquete. Fue una apuesta hecha con toda justicia. Olvidé lo que iba a recibir si te hubieras perdido. Sin embargo, todo es justo en una cosa u otra y en la guerra. Pagaré si se vuelve realmente serio. Creo firmemente que será de corta duración, en cuyo caso recibirás un pequeño paquete. Hitler está lleno de 'mierda' [en español, "mierda"] y la parte desafortunada para él es que está mayormente en su cuello y puede saborearlo. Espero que tengan una radio porque estas son cosas históricas y memorables que usted o cualquier otra persona no debe perderse o interesarse y mantenerse al día en las noticias. Es por eso que encontró un cheque por 30 [1 palabra ilegible] para comprar una 'Mission-Bell' portátil. Hoy me quedo en casa para evitar el carnaval, las multitudes itinerantes. Tengo las puertas cerradas y cerradas con llave y todos deben tocar el timbre y anunciarse. El señor Roberto Howard acaba de tocar el timbre. Dios mío, está aquí. Katrink no hay nada nuevo. Te hago hablar con Charlie o pongo su respuesta a mis cartas por escrito. Si no firma la declaración jurada, está bien. No te culpo por no querer mezclarte con este asunto nocivo. Lo entenderé. Tilly y John dijeron que podrían haber ganado el caso por mí la última vez. Les pregunté si testificarían esta vez, pero se negaron y no culpo a nadie por no querer que su nombre se asocie con Citron. [Fields cambia de bolígrafo aquí.] Todo está muy tranquilo en este momento. Pero espero algunos fuegos artificiales hoy. En cuyo caso le escribiré todos los detalles. Mantente bien y feliz. La pequeña Jay estuvo aquí ayer para hacer su monólogo sobre un disco que desea que salga en la radio, como expliqué en una carta de reenvío. Ella ha tenido un 'revuelo' con su esposo a quien ama mucho y tiene el corazón roto. Es muy inteligente y le gustaría un consejo. Pero estoy curado, como los tres monos, no veo nada, no sé nada y no bebo nada, excepto cerveza. Ahora es un poco más tarde y Mike acaba de llegar también tu carta. No pediste ser mi intérprete, es mi respuesta para ti. ¡Dijiste que Andrew podía hablar español! Nada más de interés. Sigue llamándolos. Mickey se une a mí de la mejor manera posible para ti, al igual que Jay ayer. Como siempre ". Nariz roja, voz grave, golpes de botella El comediante estadounidense W.C. Los campos (1880-1946), nacido como William Claude Dukenfield, inició su carrera cinematográfica en los silencios. El mas tarde sobresalió en películas como David Copperfield (como Micawber), My Little Chickadee (con Mae West) y The Bank Dick. El veterano del vodevil, que apareció en todas las versiones de Ziegfeld Follies de 1915 a 1921, hizo su última película, Sensations of 1945, en 1944. Fields, casado con Harriet "Hattie" Hughes en 1900, se separó de ella en 1904, pero ella nunca le concedería el divorcio. La amante de Fields desde 1932 hasta su muerte fue la estrella Carlotta Monti, la "Katrinka" de esta carta. Escribió unas memorias reveladoras en 1971, que fueron la base de la película de 1976 W. C. Fields and Me. Se requeriría más investigación para identificar a todas las personas nombradas en esta carta, pero Fields acababa de terminar un procedimiento judicial. Después de que se negó a pagar una factura de hospital de $ 12,000 de 1936 (grande para la época), los médicos lo demandaron. Un primer ensayo confirmó el reclamo completo de los médicos, pero un segundo, concluido en 1939, redujo la responsabilidad de Fields a $ 2,000. La afirmación de Fields de que la predicción de Monti de todas las naciones en guerra para 1940 no se había cumplido, aboga por una fecha de 1940 para esta carta. Sin embargo, la referencia de Fields a una demanda inconclusa, resuelta a fines de 1939, argumenta que la carta fue escrita el Día del Trabajo de ese año. Pliegues de correo horizontal y vertical, uno a través de la "o" en "Continental". Algunos pliegues y tonos claros, & frac14 "con muescas en el margen superior en el pliegue central en las dos primeras páginas, página 3, & frac34" se rasgan en el margen superior izquierdo, & frac12 "se rasgan en el margen superior en el pliegue vertical, & frac14" se rasgan en los márgenes izquierdo y derecho en pliegue horizontal, orificios de desgaste en pliegue vertical. La primera mitad del texto es más clara que la otra mitad.

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& # x27W. C. Campos & # x27

La comedia, diría Bill Fields, es verdad, un poco de realidad ingeniosa, expresada en acciones o palabras, cuidadosamente exagerada y llevada a un final sorpresa. Fields no creía que la mecánica de una mordaza contara la mitad que el alma detrás de ella. Podrías provocar la risa de una audiencia dispuesta sobre casi cualquier cosa, pero una broma no sería memorable sin el deleite del reconocimiento humano.

La comedia propuesta por Fields alcanzó su apogeo con una modesta película de sesenta y siete minutos llamada It & # x27s a Gift. En él, interpreta a un hombre corriente, trabajador, acosado por las frustraciones de la vida, cariñoso y respetuoso con una familia que ya no lo aprecia. Sueña sus sueños en privado. No es brillante, adorable, ni siquiera admirable, pero su dignidad nunca lo abandona y, al final, triunfa tanto por la suerte como por la perseverancia. Cuando se estrenó, en noviembre de 1934, It & # x27s a Gift era un evento menor, destinado a un rápido desempate en lo que Variety llamaba & quot; los nabes & quot; Pero los críticos se dieron cuenta y una oleada de entusiasmo por los cincuenta y cuatro Fields, de un año de edad, y su obra, que había estado construyendo durante dieciocho meses, estallaron repentinamente. Andre Sennwald, escribiendo en el New York Times, se refirió a Fields & # x27 creciente legión de fanáticos como & quotidolaters & quot; y, aunque no necesariamente uno él mismo, concluyó su aviso barriendo todas las dudas de que era una de las grandes comedias del ¡así! und era había llegado. "El hecho es que el señor Fields ha vuelto con nosotros y It & # x27s a Gift se convierte automáticamente en la mejor comedia cinematográfica de Broadway".

Como señaló Fields, el atractivo de su personaje se basaba en las características que el público veía en sí mismo. & quot; Has escuchado la vieja leyenda de que es el tipo engreído el que se ríe, pero yo & # x27m el tipo más beligerante de la pantalla. Voy a matar a todo el mundo. Pero, al mismo tiempo, le tengo miedo a todo el mundo, sólo a un gran matón asustado. Hay mucho de eso en la naturaleza humana. Cuando la gente se ríe de mí, se ríen de sí mismos. O, al menos, el próximo compañero & quot.

Al igual que Mark Twain, Fields creía que el humor surgía naturalmente de la tragedia y que era normal y, por lo tanto, aceptable comportarse mal cuando las cosas iban mal. Una de las secuencias clave de It & # x27s a Gift muestra a un anciano ciego arrasando la tienda Fields & # x27 con su bastón. Después, Fields lo envía a una calle muy transitada, donde casi lo atropella el tráfico. "Nunca vi nada gracioso que no fuera & # x27t terrible", dijo Fields. & quot; Si causa dolor, es & # x27t divertido si no & # x27t, no & # x27t & # x27t.

“Fui el primer cómic en la historia mundial, me dijeron, en pelear con niños. Arranqué a Baby LeRoy. Los No-hombres-ellos & # x27 son incluso peores que los Sí-hombres-sacudieron la cabeza y dijeron que nunca iría, la gente no lo toleraría. luego, en otra foto, pateé a un perrito. Los No-hombres dijeron que yo tampoco podía hacer eso. Pero sentí simpatía en ambas ocasiones. La gente no sabía lo que podría hacer el bebé ingobernable para vengarse, y pensaron que el perro podría morderme.

El carácter intrigante y baboso que desarrolló Fields captó la imaginación del público en un momento en que la nación estaba sumida en la agonía de la Gran Depresión y la venta de licor todavía estaba prohibida por la ley. Apareció en escena como la encarnación de la mala conducta pública, un hombre no tan reñido con la autoridad como completamente ajeno a ella. Bebía porque le gustaba y hacía trampas a las cartas porque era bueno en eso. Fields no era un mal tipo, sino más bien un retroceso a una época en la que tales comportamientos eran perfectamente inocuos y el gobierno no era tan paternalista. Harold Lloyd lo llamó "el mejor comediante estadounidense", y Buster Keaton lo consideró, junto con Charlie Chaplin y Harry Langdon, el más grande de todos los cómics cinematográficos. "Su comedia es única, original y desgarradora".

Fields tuvo el coraje de arrojarse a la luz decididamente desfavorable de un matón y un estafador. No solo resumió las frustraciones del hombre común, sino que hizo algo al respecto. A diferencia de la mayoría de los comediantes, nunca pidió ser amado, era de mal genio, cobarde y, a veces, un impostor absoluto. Chaplin era más conocido, Keaton más ambicioso desde el punto de vista técnico y Laurel y Hardy eran ciertamente más queridos, pero Fields resonó en el público de formas que otros cómics no. No era un payaso, no se vestía como un vagabundo ni vivía en el lejano mundo del gueto de Londres. De hecho, para la mayoría de las audiencias vivía al final de la calle o al doblar la esquina. Era el tío desagradable de todos, o el vecino chismoso que advertía a los niños del lugar con un palo de golf. La gente respondió a la honestidad del personaje de Fields & # x27 porque, como Archie Bunker de una generación posterior, todos conocían a alguien como él. Lo admiraban a regañadientes y veían la humanidad bajo su gruesa costra de desprecio por el mundo.

"Lo primero que recuerdo haber descubierto por mí mismo fue que quería ser una personalidad definida", dijo. --Había oído a un hombre decir que le agradaba cierto tipo porque siempre era el mismo maldito fulano. Ya sabes, como Larsen en Jack London & # x27s Sea Wolf. Era detestable, pero usted lo admiraba porque se mantuvo fiel a su tipo. Bueno, pensé que era una idea genial, así que desarrollé una filosofía propia: ¡Sé tu tipo! Decidí que fuera lo que fuera, sería eso, no me tambalearía en la valla ''.

La infancia que Fields exageró para los entrevistadores fue vívidamente dickensiana, y sus encontronazos con su padre tenían la energía brutal de las payasadas de Sennett. Sin embargo, la humanidad por la que siempre luchó en sus tratamientos cinematográficos le falló cuando descubrió detalles de su propia vida temprana. Invariablemente describió a su padre como un sinvergüenza abusivo, a su madre como ineficaz y estúpida, y a su yo más joven como una versión de Filadelfia de Huck Finn. Provenía de inmigrantes (su padre era británico) y, por mucho que pareciera American Fields, siempre había un elemento de forastero en los personajes que interpretaba. Abrazó el espíritu nómada de su abuelo, a quien nunca conoció, y aunque estuvo casado con la misma mujer durante toda su vida adulta, siempre estuvo en desacuerdo tanto con ella como con el mundo, asediado y solitario.

Fields avanzó a lo largo de una carrera que duró casi medio siglo, adquiriendo poco a poco los elementos del personaje por el que se le conoce en la actualidad. En el escenario, perfeccionó lo que se puede describir mejor como la comedia de la frustración, construyendo una de sus rutinas más populares sobre las pequeñas distracciones que encuentra un golfista al intentar jugar. Su acto de piscina seminal se construyó de manera similar, lo que lo llevó a concluir que `` lo más divertido que puede hacer un comediante es no hacerlo ''. En las películas, encontró su voz después de una carrera abortada en silencios y se convirtió, en palabras de James Agee, & quot; el más duro y cálidamente humano de todos los comediantes de la pantalla & quot.

Su tiempo como uno de los principales atractivos de Hollywood fue breve, apenas seis años, y en 1941 su audiencia lo había abandonado en gran medida. La radio, donde aún podía encontrar trabajo, le quitó toda sutileza, debido, en gran parte, a sus intercambios borrachos con Edgar Bergen y el sarcástico tonto de Edgar Bergen, Charlie McCarthy. A pesar de sus mejores esfuerzos, se esforzaba constantemente por justificar a un personaje que se había vuelto tan fijo en la mente del público que se presumía ampliamente que era el mismo hombre que retrataba en la pantalla. El día que murió, Bob Hope hizo una broma sobre él en NBC. Hope insinuó que había visto a Fields borracho: "Vi a W. C. Fields en la calle y saludé, y él retrocedió". El público se rió. Fields era entonces el borracho más famoso del mundo. Ya no importaba que nunca hubiera jugado un borracho en su vida.

En 1880, los viajeros que se acercaban a Filadelfia desde el condado de Delaware y puntos al sur generalmente pasaban por el pequeño distrito de Darby en su camino hacia la Ciudad Cuáquera. Con menos de una milla cuadrada, Darby era una ciudad industrial y un centro de transporte, hogar de 1,779 residentes permanentes y un grupo de fábricas de papel y textiles que dominaban bastante el paisaje. Todos los días, quince mil trabajadores inundaban la ciudad, haciendo que el distrito comercial central, que se extendía cuatro cuadras a lo largo de Main Street entre Tenth y Mill, fuera superado solo por Chester en términos de tamaño e importancia. Había tabernas y cafés, una funeraria, una docena de iglesias, un albergue de Odd Fellows y una de las bibliotecas gratuitas más antiguas de la nación. Tanto el B & ampO como los ferrocarriles de Pensilvania pasaban por Darby, y los tranvías conectaban la línea de Filadelfia con Wilmington y Chester. Un poco más allá de la ciudad había ranchos de ganado y caballos y una vasta manta de tierras de cultivo que se extendía hacia Media. Los compradores adinerados en busca de acciones de carreras de primera se alojaban en el hotel Buttonwood, en el extremo de la línea Chester Traction Co., o en ocasiones en la taberna Bluebell, cerca de Grays Ferry, donde se decía que George Washington se había detenido en su camino. a Filadelfia para la segunda inauguración. Sin embargo, de las varias posadas de Darby & # x27, solo una se dedicaba al comercio de caballos: un simple edificio de piedra en la esquina sureste de las calles Main y Mill, conocido como Arlington House.

Más antiguo que el Buttonwood y menos histórico que el Bluebell, el Arlington se encontraba directamente frente a Griswold & # x27s Worsted, la más grande y moderna de las numerosas fábricas textiles de Darby & # x27, y a una cuadra y media al oeste del muelle de la ciudad, el centro punto de recepción de carga y suministros traídos por el río Delaware y tierra adentro a través de Cobbs Creek. En la intersección más ruidosa y polvorienta de la ciudad, Arlington era un punto de parada para estibadores, trabajadores de molinos, empleados, comerciantes y turistas en su camino hacia o desde Filadelfia. Encima de sus tres modestos pisos había un mirador de incendios, una habitación en forma de caja con ventanas en todos los lados que ofrecían una vista panorámica de los molinos a lo largo de los dos arroyos de marea, Cobbs Creek en el este y Darby Creek en el oeste, y las arterias principales. que conduce a Lansdowne, al norte, y Sharon Hill, al sur.

Los lugareños y los invitados que se detenían en el bar de la planta baja probablemente serían atendidos por James Lydon Dukenfield, un robusto británico de unos treinta años que dirigía el hotel con su esposa, Kate, y un primo de Nueva York llamado Jim Lester. Un hombre bajo y fornido con ojos azules intensos, un bigote espeso y cabello claro que cuidadosamente dividió por la mitad, Jim Dukenfield rompió caballos árabes para ganarse la vida y obviamente vio una oportunidad cuando el pequeño hotel, construido en el sitio de una vieja harina molino, subió para arrendamiento. Era conocido por su temperamento relámpago, sus estallidos extemporáneos en canciones (cuanto más sentimentales, mejor) y los dos dedos que le faltaban en la mano izquierda. Tenía una sonrisa dispuesta que lo convertía en un anfitrión agradable y un desprecio explosivo por la autoridad que lo convertía en un empleado difícil.

Jim había sido bombero voluntario en los días en que esas empresas eran como bandas errantes de hooligans que cortaban las mangueras de las empresas rivales por el privilegio de apagar un incendio. Se alistó en los Bomberos de Filadelfia cuando recibió la llamada para voluntarios de tres años en agosto de 1861. Desertó durante cinco meses, sin responder mejor a la autoridad militar que a cualquier otro tipo, y fue reclutado después de & quot; cupo accidentalmente & quot; conseguir sus dedos volado mientras estaba en el piquete cerca de Fair Oaks. Cuatro de sus nueve hermanos también respondieron a la llamada, y todos sobrevivieron con la excepción de George, dos años más joven que Jim, quien cayó en Gettysburg el 2 de julio de 1863. A Jim le gustaba decir que había sido herido en la batalla de Lookout Mountain. El hijo mayor dijo que lo más probable es que lo hubieran pillado robando bolsillos.

Jim Dukenfield fue uno de los trece hijos, la mayoría de los cuales siguió a su padre, John Dukinfield, a los Estados Unidos a mediados de la década de 1850. John era el segundo hijo de George Dukinfield, quien a su vez era el tercer hijo de Lord Dukinfield de Cheshire. John Dukinfield y su hermano mayor George nacieron como patricios, pero la herencia pasó a manos de un nieto que era clérigo y vicario del condado. Cuando posteriormente murió sin descendencia, la propiedad pasó a manos de la cancillería y pasó a ser propiedad del reino. John se mudó a Sheffield, no para trabajar en las minas, sino para distinguirse como un fabricante de peines, tallando diseños de primera calidad a partir de cuernos de animales. Se casó con una niña católica irlandesa llamada Ann Lyden y comenzó su carrera en la maternidad al por mayor con el nacimiento de su primer hijo, Walter, en 1835. El negocio creció constantemente y en 1837 John había contratado a George como socio. Establecieron una pequeña fábrica en Rockingham Street, donde hicieron botones, monturas de gafas y navajas de bolsillo, e instalaron a sus familias en viviendas adyacentes cercanas.

John era un espíritu inquieto, impulsivo y autocrático. Tenía una gran nariz que más tarde inspiraría a su sobrina Emily a comentar que su nieto, el comediante de cine que nunca conoció, se parecía a él y citaba especialmente por encima de la boca. '' En 1854, John tuvo la idea de mudarse a los Estados Unidos, donde Habría suministros frescos y un mercado listo para sus botones de perlas de imitación y gafas de carey. Empacó un baúl lleno de suministros, reclutó a su hijo Jim de doce años para el viaje y dejó a Ann, embarazada como de costumbre, al cuidado de George. El viaje fue arduo, plagado de mal tiempo y naufragaron frente a la costa de Glen Cove, Long Island. John y su hijo se dirigieron a Dudley, Nueva Jersey, al norte de Camden, luego cruzaron el río Delaware hacia Filadelfia, donde abrieron una tienda de productos secos en el distrito de Kensington, conocido por su concentración de trabajadores textiles británicos como & quotLittle England. Ann siguió con la mayoría de los otros niños. Godfrey, el más joven, hizo el cruce desde Inglaterra en los brazos de su madre.

La familia se había reunido en gran parte en noviembre, cuando John presentó una declaración de intención de convertirse en ciudadano estadounidense. También comenzó a deletrear su nombre & quotDukenfield & quot (con un & quoten & quot en lugar de & quotin & quot), aparentemente considerando que se trataba de una americanización apropiada del nombre. Los chicos de Dukenfield eran todos ferozmente independientes, no muy diferentes al anciano, y no había dos que escribieran el apellido de la misma manera. Según una fuente, se derivaba de "Cavado en el campo", que significa "pájaro en el campo", y había (y todavía hay) un municipio en la parroquia de Stockport, cerca de Manchester, llamado Dukinfield. Jim lo deletreó con un & quoten, & quot y otras variaciones incluyeron Duckinfield (favorecido por George cuando era niño), Duckenfield e incluso Dutenfield.

Los chicos mayores aceptaron trabajos en Filadelfia y sus alrededores. Jim, que era bueno con los caballos, se convirtió en conductor. Su hermano John se convirtió en albañil y otro hermano, George, se convirtió en alfarero. Walter, el mayor, trabajaba como barman en el Union Hotel. El negocio familiar se trasladó a Girard Avenue, al oeste de Second, y finalmente al norte hasta 625 Cumberland, donde permaneció hasta la década de 1890. John Dukenfield abrió una taberna en East Norris Street, y fue allí donde pasó cada vez más su tiempo. Se las arregló para llevar el negocio a una recesión y, en 1859, con seis hijos menores de diez años que aún vivían en casa, abandonó a su esposa y familia. Ann luchó poderosamente con el negocio, y finalmente se lo pasó a su cuñado George.

Extraído de W. C. Fields por James Curtis Copyright © 2003 por James Curtis

Extraído con permiso. Reservados todos los derechos. Ninguna parte de este extracto puede reproducirse o reimprimirse sin el permiso por escrito del editor.


Este día en la historia independiente: W.C. Los campos

Conocido por sus papeles en pantalla como tierno estafador, el actor W.C. Fields, nacido este día en 1880, estaba tan en sintonía con los personajes que interpretaba, que a menudo resultaba difícil determinar dónde terminaba el papel y dónde comenzaba el propio Fields. A la edad de 19 años se había embarcado en una exitosa carrera de malabares, aunque su primer éxito verdadero llegó en 1923 cuando consiguió un papel en la obra de Broadway "Poppy". A partir de ahí, Fields se hizo conocido por sus muchos giros como estafador cómico. , interpretando el papel incluso en las películas que él mismo escribió. Antes de aparecer y escribir las películas sonoras El banco Dick, Man on the Flying Trapeze y Never Give a Sucker an Even Break, Fields was a vaudevillian actor seen in the silent films Pool Sharks y Sally of the Sawdust. In a rare dramatic appearance, the actor dedicated himself to the role of Mr. Micawber in George Cukor’s 1935 adaptation of David Copperfield. He passed away on December 25, 1946 of complications from pneumonia.


The 30 Harshest Actor-on-Actor Insults in History

In the current ultra-managed, publicist-controlled, sound-byte-driven media atmosphere, you don’t get to hear stars really speaking their minds anymore — at least, not about anything fun, like how they really feel about their fellow stars. But occasionally a little something sneaks through the PR wall, both now and back in Hollywood’s golden age, sometimes as whispers, sometimes as gossip, sometimes long after the fact. And thus, we present another, long-overdue installment of our ongoing series (following authors, filmmakers, and musicians) of really famous people really cutting each other down.

1. Bette Davis on Joan Crawford: “Joan Crawford — I wouldn’t sit on her toilet!” “I wouldn’t piss on Joan Crawford if she were on fire.” “Joan Crawford — Hollywood’s first case of syphilis.” “She has slept with every male star at MGM except Lassie.” “Why am I so good at playing bitches? I think it’s because I’m not a bitch. Maybe that’s why Miss Crawford always plays ladies.” “You should never say bad things about the dead, you should only say good… Joan Crawford is dead. Good.”

2. Joan Crawford on Bette Davis: “Bette will play anything, so long as she thinks someone is watching. I’m a little more selective than that.” “She may have more Oscars… she’s also made herself into something of a joke.” “Miss Davis was always partial to covering up her face in motion pictures. She called it ‘art.’ Others might call it camouflage — a cover-up for the absence of any real beauty.” “I don’t hate Bette Davis, even though the press wants me to. I resent her — I don’t see how she built a career out of mannerisms instead of real acting ability. She’s a phony, but I guess the public likes that.”

3. Viven Leigh on Bette Davis (after turning down Hush Hush Sweet Charlotte: “I could almost stand to look at Joan Crawford’s face at 6am, but not Bette Davis.”

4. Barbara Stanwyck on Marilyn Monroe: “Her body has gone to her head.”

5. Bette Davis on Cary Grant: “He needed willowy or boyish girls like Katharine Hepburn to make him look what they now call macho. If I’d co-starred with Grant or if Crawford had, we’d have eaten him for breakfast.”

6. Cary Grant on Marlon Brando, Montgomery Clift, James Dean: “I have no rapport with the new idols of the screen, and that includes Marlon Brando and his style of Method acting. It certainly includes Montgomery Clift and that God-awful James Dean. Some producer should cast all three of them in the same movie and let them duke it out. When they’ve finished each other off, James Stewart, Spencer Tracy and I will return and start making real movies again like we used to.”

7. Richard Burton on Marlon Brando: “Marlon has yet to learn to speak. He should have been born two generations before and acted in silent films.”

8. Marlon Brando on James Dean: “Mr. Dean appears to be wearing my last year’s wardrobe and using my last year’s talent.”

9. Richard Harris on Michael Caine: “An over-fat, flatulent, 62-year-old windbag. A master of inconsequence masquerading as a guru, passing off his vast limitations as pious virtues.”

10. Rex Harrison on Charlton Heston: “Charlton Heston is good at playing arrogance and ambition. But in the same way that a dwarf is good at being short.”

11. Harrison Ford on Shia LaBeouf: “I think he was a fucking idiot.”

12. Dean Martin on James Stewart: “There’s a statue of Jimmy Stewart in the Hollywood Wax Museum, and the statue talks better than he does.”

13. Sir John Gielgud on Ingrid Bergman: “Dear Ingrid — speaks five languages and can’t act in any of them.”

14. Frank Sinatra on Shelly Winters: “A bowlegged bitch of a Brooklyn blonde.”

15. Shelly Winters on Frank Sinatra: “A skinny, no-talent, stupid Hoboken bastard.”

16. Ava Gardner on Mia Farrow and Frank Sinatra: “I always knew Frank would end up in bed with a boy.”

17. Traci Lords on Johnny Depp: “He’s the kind of guy that would be really sweet to a girl and bring her flowers, but still take a pee in the alley.”

18. Bill Murray to Chevy Chase: “Medium talent!”

19. Julia Roberts on Nick Nolte: “A disgusting human being.”

20. Nick Nolte on Julia Roberts: “It’s not nice to call someone ‘disgusting’. But she’s not a nice person. Everyone knows that.”

21. Sharon Stone on Gwyneth Paltrow: “[She’s] very young and lives in rarefied air that’s a little thin. It’s like she’s not getting quite enough oxygen.”

22. Katherine Hepburn on Sharon Stone: “It’s a new low for actresses when you have to wonder what’s between her ears instead of her legs.”

23. Susan Sarandon on Mel Gibson: “Mel Gibson is somewhere to the right of Attila the Hun. He’s beautiful, but only on the outside.”

24. Walter Matthau to Barbara Streisand: “I have more talent in my smallest fart than you have in your entire body.”

25. Elliot Gould on Jerry Lewis: “This arrogant, sour, ceremonial, piously chauvinistic egomaniac.”

26. Graham Chapman on John Travolta: “How difficult can it be to fly an airplane? I mean, John Travolta learned how.”

27. W.C. Fields on Mae West: “A plumber’s idea of Cleopatra.”

28. W.C. Fields on Charlie Chaplin: “He’s a goddamned ballet dancer.”

29. Robert Downey Jr. on Hugh Grant: “A self-important, boring, flash-in-the-pan Brit.”

30. John Wayne on Clark Gable: “Gable’s an idiot. You know why he’s an actor? It’s the only thing he’s smart enough to do.”


W.C. Fields - History

Edwin S. Porter's early silent western classic, with fourteen primitive scenes, comprised a narrative story with multiple plot lines.

It contained prototypical elements that have been repeatedly copied by almost every western - a train holdup with six-shooters, a daring robbery accompanied by violence and death, a hastily-assembled posse's chase on horseback after the fleeing bandits, and the apprehension of the desperadoes after a showdown in the woods.

D.W. Griffith's monumental technical masterpiece of epic film-making (although decidedly racist) included an exciting conclusion involving the KKK's race to restore order. The Klan on horseback were summoned, assembled and gathered for reinforcement. Ben Cameron (Henry Walthall), "the Little Colonel", led the Klan to the rescue of white womanhood, white honor, and white glory, in a 'head-on' tracking shot.

It was an intense, action-packed, stupendous, last-minute rescue finale, a thrilling climax - interweaving the siege on the cabin, the chaos in Piedmont, Elsie Stoneman's (Lillian Gish) fate at the hands of Silas Lynch (George Siegmann), and the onrushing rescue by the Klan. During the rescue, the most famous sequence in the film, excitement was heightened by shots of the Klan alternating with shots of the endangered Elsie - the film exhibited masterful parallel editing.

This film was memorable for the last minute, climactic scene in which David Bartlett (Richard Barthelmess) chased after cast-out love interest Anna Moore (Lillian Gish) who had fled into a blinding snowstorm. She fainted on one of the ice floes in the midst of an icy river, with her hand trailing into the freezing water.

As the ice thawed the next morning and broke apart ("the great ice-break"), her lifeless form was caught unconscious on moving ice-floes and was swept downstream toward a precipitous waterfall.

David nimbly jumped from ice block to ice block to try to reach her before the ice jam gave way - rushing to the falls. As Anna regained consciousness from exhaustion, but started to sink into the frigid water at the edge of the falls, David scooped her up and saved her, running perilously upstream on unstable blocks of ice to reach the shore.

This chase comedy was written and directed by Buster Keaton and Clyde Bruckman, and filmed with a huge budget for its time ($400,000). It was memorable for its strong story-line of a single, brave, but foolish Southern Confederate train engineer Johnnie (Buster Keaton) doggedly in pursuit of his passionately-loved locomotive ("The General") and the blue-coated spies who had stolen it, AND the woman he loved.

Each half of the film was predominantly composed of two train chases over the same territory. Each scene in the chase of the first half had a counterpart in the film's second half.

In the first chase, Johnnie pursued his stolen locomotive taken to the North by the Union forces. In the second half, the Union spies chased Johnnie in his re-possessed General back to the South.

The film concluded with a climactic battle at a river gorge, with the dramatic crash of the pursuit train into the Rock River in the film's most spectacular scene.

The John Ford western had a spectacular, climactic hair-raising, dangerous stunt (a horse-leap and coach-slide) during the stagecoach chase across the alkali flat by Apache Indians. One of the Apaches (Enos Yakima Canutt, a famed stuntman) leapt from his mount alongside the moving stage onto the galloping lead horses of the stagecoach's team (a stagecoach was pulled by three pairs of horses: the lead, the swing, and the wheel teams).

As he tried to grab the reins of the lead horse to control the stagecoach, Ringo (John Wayne) shot at him with his rifle from over Buck's shoulder. The Apache was struck and fell down among many sets of thundering hooves. He hung onto the rig's shaft or tongue (the projection on the bottom front of the wagon that connected the vehicle to the horses) while dragging along the ground.

Then, after being shot a second time, the Apache warrior let go and slid between the wheels of the moving coach - the six horses and the stage's carriage rolled right over his prone body. The camera panned back to show that it wasn't a stunt dummy - the wounded Indian rolled aside and climbed slowly to his knees.

This W.C. Fields film concluded with a memorable, zany slapstick, getaway car chase scene, reminiscent of the silent Mack Sennett Keystone Kops films. Egbert Sousè (Fields) was taken as hostage by a bank robber, used as a shield, and forced to drive a getaway car.

Following in three other chase cars through the city and country were the local police, the bank president, and a representative from the movie company. It was a superbly-timed chase - the cars zoomed and circled around, barely avoiding crashing into each other or other obstacles in the path.

The getaway car careened through streets, over ditches (over the heads of ditchdiggers), around curves and up a mountainside, missing collisions at every turn with the pursuit vehicles. An unruffled Sousè gave non-chalant comments about the traffic and scenery. As his car started to fall apart, he joked: "The resale value of this car is going to be nil after you get over this trip." When asked by the thug in the back seat to give him the wheel, Egbert matter-of-factly pulled it off the steering column and gave it to him. When the rear tires started falling off, he calmly stated: "That's what I thought - going to be very dangerous."

The robber was struck by the bough of a tree as he stood up and the car came to rest at the edge of a steep precipice. Sousè mumbled: "Have to take the boat from here on anyway." The unconscious thief was apprehended, and Sousè was a hero once again for thwarting another heist.

The Fast and the Furious (1955)

Future "King of the B's" Roger Corman (28 years old) served as the producer and writer (and bit actor as a stunt driver) in this inferior John Ireland-co-directed film noirish action film - the primero film for American International Pictures (then known as American Releasing Corporation or ARC). It was shot for $50,000 in nine days.

Some of the car chase footage was stock footage, since special effects were not very well developed in the 1950s. It advertised "WIDE-SCREEN THRILLS!" and tauted that it was "filmed at the Pebble Beach International Sports Car Races" - in Monterey, California, where some of the footage was borrowed from.

HIGH SPEED EXCITEMENT! When a Wanted Man -- Meets a Wanting Woman.

[Note: It was remade as The Chase (1994) starring Charlie Sheen as fugitive Jackson "Jack" Davis Hammond and Kristy Swanson as his kidnapped hostage and California heiress Natalie Voss. The title rights to this film were used for the 'remake' sequel - The Fast and the Furious (2001).]

It starred John Ireland as an innocently-convicted, escaped murderer Frank Webster (originally a truck driver) who met and kidnapped attractive, independent-minded blonde society girl Connie Adair (Dorothy Malone) at a roadside diner. He also drove off with her in her late-model white Jaguar XK120 sports car for his flight to Mexico. As part of his escape plan, Frank participated in an international, across-the-border sports car rally from California to Mexico.

In the final moments of the film, Frank led a police car on a wild chase. Police officer Faber's (Bruce Carlisle) car crashed, but Frank stopped and saved the man's life - and then Connie arrived (after breaking out of a shed where she had been locked up by Frank). She admitted that she had turned him into authorities, to help him get justice, as they heard police sirens coming closer:

Frank: "How'd the cops find out?"
Connie: "I turned you in."
Frank: "How'd you get out?"
Connie: "I set the building on fire."
Frank: "You're a pretty dangerous character yourself."
Connie: "You could've run away instead of helping him. Why didn't you?"
Frank: "'Cause you're right, Connie, and I'm goin' back. Besides, I'm gettin' used to you."
Connie: "Oh, Frank, what you really are is worth fighting for. And it isn't too late."
Frank: "For us, it's just the beginning." (They hugged)

Thunder Road (1958)

Director Arthur Ripley's b/w noirish, low-budget B-film from a story written by the film's star/producer Robert Mitchum, advertised itself with the apt tagline:

As part of his vanity project, Mitchum also wrote the film's theme song Ballad of Thunder Road ("Thunder was his engine and white lightnin' was his load. "), and his real-life look-alike son James played a role as his younger mechanic-brother Robin.

[Note: The film had glaring continuity errors - i.e., in the opening car chase, Mitchum rolled his black car on its side, but then in the next shot, the vehicle appeared undamaged, and as he returned home, the car changed from black to white! And when Doolin visited Kogan in Memphis, he pulled up in front of an Asheville, NC pharmacy. However, the influential film was the impetus and inspiration for many car-crash "good-ol' boy" films in the 60s and 70s.]

This definitive film (a cult drive-in favorite) was about transporting or running moonshine from the Appalachian Mountains area of backwoods rural North Carolina (Rillow Valley) and Harlan County (KY) while pursued by US Treasury (T-men) agents, including Troy Barrett (Gene Barry). Interference was also provided by ruthless crime syndicate city boss Carl Kogan (Jacques Aubuchon) from Memphis, Tennessee, who was threatening to consolidate all of the "action" of the local moonshine-bootleggers.

Sleepy-eyed, cigarette-smoking, disillusioned tough-guy Mitchum played the romanticized but anti-hero role of a returning Korean War veteran named Lucas "Luke" Doolin, who resumed helping in his father Vernon's (Trevor Bardette) family business of bootlegging. He was a transporter ("those wild and reckless men") illegally carrying moonshine alcohol on the road to Memphis, in his souped-up 1950 gray stock-car Ford coupe with a modified 250 gallon tank in the trunk (carrying moonshine worth $1400), and an oil-slick device in the rear to waylay pursuers. He refused to bow to either the federal agents or to Kogan and quit his ways ("Why don't I quit breathin'. I want to stop the clock, turn it back to another time in this valley that I knew before").

Bachelor Lucas was involved with two females (teenaged hillbilly Roxanna "Roxie" Ledbetter (Sandra Knight) and Memphis nightclub singer Francie Wymore (Keely Smith)) in the romantic subplots, but it was the few fast-driving road chases, usually at night, that were the highlight of this film. [Note: The bootleggers' cars were actually sourced from the local community.]

Evading stakeouts and roadblocks, government treasury agents (revenuers) driving Chevys, other moonshine competitors and organized crime gangsters/racketeers, were only some of the challenges, as Lucas dared Barrett: "you've got to catch me - if you can." In one attempt after his 1950 Ford was car-bombed by Kogan's men, he blasted his new 1957 Ford (with Tennessee plates) at 90 mph through a Treasury inspection roadblock consisting of two vehicles.

The film's inevitably-deadly and tragic conclusion found Luke in one final run into Memphis after an intense crack-down, in which the daring and head-strong transporter was pursued by one of Kogan's henchmen. Driving alongside, Luke flicked his cigarette at the driver through his open window, causing the thug to careen off the side of the road. But then his own car was sabotaged by a T-agent nail-strip, and his car overturned and crashed into a utility station - killing him. Barrett provided Doolin's epitaph as electrical sparking occurred: "Mountain people. Wild-blooded, death-foolish. Yeah, that was Doolin, alright. He was a real stampeder."

In the film's closing scene without dialogue, Robin returned to Roxie and took her hand, as a long stream of car headlights signaled Luke's body being brought back to the valley (the "Whippoorwill" song was reprised on the soundtrack).

The film has been most heralded for its classic, memorable and spectacular 11-minute chariot race scene around a central divider strip composed of three statues thirty feet high, and grandstands on all sides, rising five stories high. The battle between the competitors was highlighted by a series of close-ups of the action. One by one, Messala (Stephen Boyd) eliminated the other drivers in the ferocious race, shattering their chariots.

The climactic ending to the race occurred when the chariots of arch-rivals Messala and Ben-Hur (Charlton Heston), in hateful rivalry toward each other, ran neck-and-neck and slashed at each other. At one point, Ben-Hur's horses jumped over a crashed chariot, throwing the hero (stuntman Joe Canutt, son of famed stuntman Yakima Canutt) high into the air, yet he landed on his feet. Messala tried to destroy Ben-Hur's chariot by moving close with the blades, but as the wheels locked and he lost one of his wheels, Messala's chariot was splintered. He was dragged by his own team, then trampled, and run over by other teams of horses. Defeated, he was left bloody in the dirt, his body broken and horribly injured.

The Great Escape (1963)

One of the most iconic chase sequences involved the exciting (but unsuccessful) escape attempt by Allied POW loner "Cooler King" Hilts (Steve McQueen, but performed by stuntman Bud Elkins) - he sped away from the Nazi prison camp by vaulting a stolen German motorcycle over a six-foot barbed-wire prison fence at the Swiss border.

The Naked Prey (1966, S.Afr./US)

The amazing race-for-his-life chase scene by the Man (a naked and unarmed safari tour leader/guide) (Cornel Wilde) as six tribe warriors give him a head start of 100 yards into the bush, in this adventure/chase film set in 19th century Africa co-directed by Cornel Wilde and Sven Persson.


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